Archivos para el mes de: julio, 2013

Cordial saludo para todos.

Hasta este momento se reciben los post referentes al tema que se había asignado. Cualquier post relacionado con el desarrollo del ejercicio que sea publicado de manera posterior no será tenido en cuenta para la evaluación.

Atentamente,

Gazapoh.

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(Bucaramanga, Colombia, 1959)

Fotógrafo colombiano nacionalizado en Estados Unidos, su nombre era Rubén Afanador y lo cambió a Ruven para facilitar la pronunciación en su nuevo país. Hijo de Ernesto Afanador, un vendedor de relojes, coleccionista de antigüedades, y de Isabel Peña, profesora del Colegio Adventista Libertad, a los 14 años de Rubén se mudaron a Estados Unidos buscando un mejor futuro para la familia.

En 1978 decidió dedicarse a la fotografia después de ver la película Eyes of Laura Mars. Cuando vivía en Bucaramanga tenía cerca al mejor estudio fotográfico de la ciudad, le apasionaba ver el proceso que se realizaba para fotografiar a una persona y desde los 12 años se sintió apasionado por el cine y la fotografía después de ver su primera película.

Después de realizar sus primeras tomas con su hermana como personaje principal de sus obras, Ruven decidió, tras un vago roce con el diseño gráfico, que quería vivir de una cámara el resto de su vida, después de eso sus papas le regalaron su primera cámara, una Minolta, y así fue como se fue haciendo un reconocido y exitososo fotógrafo, retratando en comienzos sólo a sus hermanas y a su madre.

En sus años como estudiante conoció a Eric Ekhart, quien le sugirió irse a Europa a realizar sus estudios como artista ya que en el viejo continente era donde tendría su verdadero crecimiento, aunque Ruven al principio en su terquedad no aceptó, y se mudó a New York, en ese momento pasó por un momento de frustraciones muy grandes, hasta que recordó el consejo de Ekhart y decidió partir a Europa, llegando así a Milán, Italia, que fue el país que lo redefinió y le ayudó a encontrar su enfoque y lo que quería expresar en sus obras, en ese momento le cogió mucho amor a Colombia y a Bucaramanga y en sus fotos buscaba contrastar los paisajes Europeos con los Latinoamericanos.

Después de seis arduos meses de reinvento, Afanador volvió a Estados Unidos cargado de ideas nuevas y con un portafolio que dejó impresionado a más de uno y empezó a participar en varias revistas famosas como VogueElleRolling StoneNew York Times Magazine y Vanity Fair. En éstas trabajó por lo general como fotógrafo de cabecera en sus personajes de portada.

  • En el año 2000 ganó como “Fotógrafo del año Fashion Awards-Paris”
  • En el 2003 una de sus obras fue premiada y catalogada como la mejor en los medios impresos.

Aunque no fue directamente influenciado por colegas artistas siempre ha sentido una gran admiración por Gabriel García Márquez, debido a su forma de hablar de Colombia en sus obras y de su reconocimiento internacional por esto mismo.

Uno de sus libros más famosos, Mil Besos, fue su tercer libro fotográfico y en varias entrevistas ha reconocido que éste está inspirado en su mamá y en lo que ha representado en su vida, el libro está completamente conformado por fotografías de mujeres y también representa un homenaje para todas ellas.

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Mil Besos.

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Fotografía de su libro Torero.

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Fotografia de su libro Sombra.

Cibergrafía:

Texto:

Imágenes:

Fecha de consulta:

29/07/2013.

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(Gilbert Proesch, 17 de septiembre de 1943, Dolomitas, Italia. George Passmore, 8 de enero de 1942, Totnes, Gran Bretaña).

“Queremos que todo el mundo comprenda las cosas que la propia existencia lleva consigo; la muerte, esperanza, vida, miedo, sexo dinero, raza y religión. Los elementos que utilizamos son universales, nos encanta hacer esto vivan donde vivan”.

Gilbert después de cursar estudios en las academias de arte de Wolkenstein, Hallein y Múnich, se traslada a Londres donde, en 1967, conoce a George en la St Martin’s School of Art. Un dúo incombustible de artistas  a menudo transgresores pero siempre a la moda. El tiempo pasa y con sus obras buscan no dejar indiferente a nadie.

Es una pareja artística y en la vida real dicen que su mirada conservadora y elegancia les permite pasarse de la raya sin ofender a nadie.

“No tratamos en lo absoluto de escandalizar, esta es la realidad con la que nos hemos encontrado”.

Su trabajo Combina fotografía, ilustraciones y a ellos mismos como esculturas vivas, siendo ellos mismos un performance. A partir de la década de los setenta elaboran grandes piezas murales con fotomontajes, con los que abordan temas como el alcoholismo, los despojos humanos, la homosexualidad, los conflictos raciales, etc., que parecen parodiar el arte de las vidrieras y en las que combinan cierto sentido del humor con cierta apología de la violencia, cargado todo ello de un fuerte poder de seducción. Con las imágenes extraídas de la realidad, así como la insercción de sus propias figuras, consiguen crear un arte que habla de la vida cotidiana y no de aspectos artísticos intelectuales.

“Empezamos en 1972 y luego cada 5 ó 10 años comenzábamos un nuevo grupo de imágenes que nos representaran a nosotros mismos”.

En 1986 ganan el prestigioso premio Turner.

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(hunger, 1982)

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(Fuck, 1977)

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(family tree, 1991)

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(Cry, 1984)

Opinión personal:

Para mí que esta pareja logre expresarse con tanta libertad y opinión crítica me parece un acto de fortaleza y sagacidad. Su arte (porque no se le puede llamar de otro modo) combina una crítica y a ellos mismos, sin tapujos, como son.

Una pareja sin miedo a la crítica, pero que critica sin temor alguno, pues están dispuestos a gritar si es necesario por lo que creen que es importante comunicar. Se divierten haciéndolo y ellos dos crean entre sí un arte que sólo una pareja que sea totalmente acorde es capaz de fundirse en una pasión cuando es compartida y totalmente honesta.

Webgrafía:

http://www.youtube.com/watch?v=QRnsh0F80bQ

http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/48/Gilbert%20y%20George

Fecha de consulta:

00/00/2013.

Santiago Harker

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Nació en 1951, de procedencia Colombiana (Bogotá), realizó un posgrado en ingeniería mecánica en la Universidad de los Andes de Bogotá y luego realizó una maestría en Transporte Aéreo en Inglaterra. En 1985 decide dedicarse a la Fotografía en revistas, pero se da cuenta que este negocio no era rentable y decide seguir su ejercicio como independiente.

Gracias a una beca  de Colcultura, realizó un ensayo fotográfico sobre parques nacionales de Colombia, Colombia Inédita (1988 – 1992).

Su trabajo está enfocado a realzar la belleza cultural y regional de las distintas partes de Colombia, las costumbres, cultos, ciclos de trabajo, forma de vida de los ciudadanos, paisajes extraordinarios y contrastantes, el buen manejo de las sombras, etc., hacen parte del trabajo de este artista.

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Fuentes:

http://farm1.static.flickr.com/163/413669151_955ded2632.jpg

http://www.agenciadenoticias.unal.edu.co/ndetalle/article/santiago-harker-exhibio-extractos-de-su-trabajo.html

http://www.librerianorma.com/autor/autor.aspx?p=ttYQZaoKhrMT/gMGkjkzjhns01q/89yM

http://www.cambio.com.co/opinioncambio/friendlypost.php?id_nota=450000327

http://www.cambio.com.co/culturacambio/710/ARTICULO-WEB-NOTA_INTERIOR_CAMBIO-3423993.html

Fecha de consulta:

00/00/2013

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Lewis W. Hine

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Nació en Wisconsin en 1874 y murió en 1940 en la ciudad de Nueva York, Estados Unidos.

Estudió sociología (1902) en la Universidad de Chicago, luego ejerció la profesión de maestro utilizando la fotografía como herramienta para expresar sus conceptos.

Sustenta que la fotografía es enfáticamente Arte, y los demas conceptos son secundarios, esto lo lleva a convinar la sociología con la fotografía y sus intereses por la clase menos favorecida.

Toma gran cantidad de registros como la llegada de inmigrantes a la isla Ellis, obreros trabajando con maquinaria pesada, rutinas de vida, etc., combinando la fotografía como arte y la sociología como estudio de ciertas culturas.

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Fuentes:

http://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Hine

http://www.elangelcaido.org/fotografos/hine/hine.html

http://en.wikipedia.org/wiki/File:Lewis_Hine_selfportrait.jpg

http://commons.wikimedia.org/wiki/File:No_Known_Restrictions_Picking_Cotton_by_Lewis_W._Hine,_1916_(LOC)_(491307954).jpg

http://www.elangelcaido.org/fotografos/hine/hine.html

http://fotofilos.wordpress.com/tag/lewis-w-hine/

Fecha de consulta:

00/00/2013

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(22 de agosto de 1908, Chanteloup, Brie, Francia – 3 de agosto de 2004, Montjusain, Francia).

“Nosotros, los fotógrafos, nos ocupamos de cosas que están desvaneciéndose continuamente y cuando han desaparecido no hay nada que pueda hacerlas volver de nuevo”.

Este célebre fotógrafo, nacido bajo el ceno de una familia clase media francesa, siempre estuvo atraído por la fotografía, aunque no empezó a ejercer esta pasión sino hasta que tenía 23 años. Antes de ella se había dedicado al estudio de la pintura y la literatura.

Le apasionaban las fotografías de carácter deportivo que se publicaban en las revistas de Francia y Alemania de ese entonces.

Se considera uno de los padres del fotorreportaje y junto con Robert Capa fundó la agencia “Magnum Photos”.

“El momento decisivo” fue el término que utilizó para referirse a ese efímero instante en el que el periodista gráfico tiene que disparar para que la iluminación y la composición de la imagen estén en el punto exacto en donde los factores disponibles, en los que no se tiene posibilidad de maniobrar, se conjuguen para tener el mejor efecto. “La composición tiene que ser una de nuestras preocupaciones constantes justo hasta el momento en que la fotografía va a ser tomada y a partir de este punto entra en escena el sentimiento”.

En su técnica se encontraba que nunca recortaba los negativos, éstos se positivaban tal y como fueron tomados. Sus estudios en la pintura unidos a su cámara, crearon lo que se conoce como “dibujo instantáneo”, dejando así un importante legado de reportaje gráfico a lo largo de un siglo de la humanidad.

 

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(New York, 1947)

 

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(Washington, DC, 1947)

 

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(Germany, Cira, 1945)

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(Alpes de Haute-provence, France, 1999)

Consejos que nos regala:

1. Concéntrese en la geometría de la imagen.

2. Sea paciente.

3. Viaje.

4. Encuentre su lente y quédese con él.

5. Tómele fotos a los niños.

6. Sea discreto.

7. Vea el mundo como un pintor.

8. No “cultive” la imagen, deje que sea espontánea.

9. No se preocupe por el proceso.

10. Siempre esfuércese más.

“Tomar una foto es alinear la cabeza, el ojo y el corazón. Es una forma de vida”.

Opinión personal: Me parece muy interesante la propuesta de este fotógrafo, ya que no se basó en una fotografía comercial o amarillista, sino que buscó transmitir un mensaje y una percepción del mundo a través de su cámara, utilizándola como una extensión más de su ojo, convirtiéndose así en no sólo un reportero gráfico, sino también en un artista de la imagen instantánea que busca comunicarle algo a la humanidad.

Bibliografía:

– El libro Guía de la fotografía, Michael Busselle.

Web:

– http://www.fotonostra.com/biografias/brensson.htm

– http://prezi.com/dduhgrysdqhq/henri-cartier-bresson/

– http://erickimphotography.com/blog/2011/08/22/10-things-henri-cartier-bresson-can-teach-you-about-street-photography/

Fecha de consulta:

00/00/2013.

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Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902, San Francisco, California. – 22 de abril de 1984, Monterrey, California.)

Fotógrafo y ecologista. Creció en un ambiente Victoriano, aunque fue muy intelige era muy tímido en su niñez y eso junto a la dislexia que padeció le dificultó adaptarse en la escuela. Toda su vida luchó por defender y proteger a la naturaleza. Estudió piano para estructurar su mente y conseguir una disciplina, más tarde entró a la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie, la cual fue un regalo de sus padres. En 1928 contrajo matrimonio con Virginia Best y tuvo 2 hijos.

En 1953 debido a su mala situación económica, ingresó contra su voluntad a la fotografía comercial, la cual en su opinión limitaba su exploración y su creatividad; trabajó para marcas como IBM, AT&T, National Park Service y Kodak, y para las revistas Life y Fortune, también fue fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Aunque entró sin querer a este mundo fue éste el que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas, cabe recordar que sus fotos eran principalmente enfocadas en paisajes.

Adams como paisajista siempre fue muy criticado, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”. A pesar de esto 1981 recibió el premio internacional de la fundación Hasselblad.

Adams junto con otros fotógrafos famosos de la época formó el grupo “f/64” en 1932. Fue reconocido especialmente por sus fotos en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos, también por varios libros de fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La CámaraEl Negativo y La Copia).

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Monolith, The Face of Half Dome, 1927.

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Moonrise over Hernandez, New Mexico, 1941.

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Ice on Ellery Lake, Sierra Nevada, 1941.

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Clearing Winter Storm, 1940.

Opinión personal: Me parece que por más criticado que haya sido, sus fotografías son una muestra del amor que sintió por el mundo, de sus inmensos deseos de cuidarlo y preservarlo, y aunque la mayoría de las críticas que recibió fueron por el hecho de no estar fotografiando las guerras y los problemas del mundo, yo pienso que en este mundo siempre van a hacer falta esas personas que nos muestran lo que tenemos, nos contrastan lo malo que pasa y nos dan ganas de seguir viviendo.

Cibergrafía:

Texto:

Fotografías:

Fecha de consulta:

29/07/2013.

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Endre Ernö Friedmann, su seudónimo es Robert Capa, nació en Budapest, Hungría, 22 de octubre de 1913, muere en Thai Binh Vietnam, 25 de mayo de 1954, fue uno de los  fotógrafos más famosos de  la guerra.

En 1929 abandona su país, estudió periodismo en Alemania y trabajó para la agencia Dephot , en 1936 presenta la primera exposición de sus trabajos y se traslada a España para cubrir la guerra civil y es allí donde obtiene su famosa fotografía “Muerte de un miliciano”, su prestigio lo adquirió con sus reportajes sobre la guerra civil española y sobre la segunda guerra mundial para la revista Life.

En 1941 fundó con Henri Carier-Bresson, Rodger, Vandivert  y Davis Seymour la primera agencia cooperativa de fotógrafos independientes Magnum Photos, tras su creación se dedicó a enseñar a fotógrafos más jóvenes, en 1945 cubrió la guerra de Iroshima y en ese mismo año murió.

Sus fotografías son atrevidas e intrépidas, para el tenía mucho valor el drama, el momento, el instante en que él captaba sus tomas.

 

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Francia, 1945.

 

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China, 1938.

 

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China, 1938, Hankow.

 

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Israel, 1948.

 

Mi opinión personal: un gran fotógrafo, fotografías que a pesar de las situaciones  tan duras que pudieron llegar a ser  tomadas, nos muestran sentimientos de los que a veces no no percatamos.

Cibergrafía

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/c/capa.htm

http://www.swingalia.com/fotografia/biografia-de-robert-capa.php

http://www.magnumphotos.com/C.aspx?VP3=CMS3&VF=MAGO31_10_VForm&ERID=24KL535353

Fecha de consulta:

00/00/2013.

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Nació en Zúrich, el 26 de marzo de 1916, muere en Trujillo, Perú, el 16 de mayo de 1945. Su primer contacto con la fotografía fue en la escuela de artes donde estudió artes gráficas, en la cual fue alumno de Hans Finsler fotógrafo de la nueva objetividad (imagen nítida, definición clara, leyes ópticas) el cual fue muy importante para él ya que en sus obras se demuestran la importancia de la luz y las formas las cuales usaba Hans.

En 1942 fue fotógrafo de moda en la revista Du , pero tras la guerra comenzó a viajar por Europa  y retrató los desastres, sus viajes por Francia, Alemania, Italia y Europa lo hicieron recapacitar sobre la importancia de la fotografía como testigo de inquietudes y las distintas formas de vida que hay en una sociedad y a partir de esto empezó a tomar fotografías para expresar sus propias inquietudes éticas y personales, en 1949 ingresó como reportero internacional a la agencia Magnum, realizó reportajes para la revista Vogue en la cuál público Hambre en India que fue su primer éxito internacional, viajó por Japón, Indochina, y Corea en donde realizó fotografías reflejando los ambientes de pobreza, en 1953 realizó un libro titulado Indios no muertos con la colaboración de Robert Frank y Pierre Berger, muere en Perú en un accidente de tránsito.

Dejó un legado fotográfico de diversas épocas en los cuales nos muestra la visión que tenía del mundo, las fotografías de sus viajes conservan un sentido de la composición aun en las situaciones más extremas  y la de niños porque le fascinaba  la autonomía con la que éstos buscaban la vida ante la guerra y la pobreza, su estilo era meticuloso y perfeccionista.

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India, 1951.

Bengala, El puerto de Calcuta, Abril de 1951.

Descarga de maíz enviado por la comunidad internacional para aliviar la hambruna que azotó varias áreas de la India.

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Camboya, 1952, Angkor, estatua representando una divinidad.

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 Estados Unidos, Ciudad de New York, 1953, Ventanilla del autobús.

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Japón, 1951.

Hiroshima, una víctima de la explosión atómica en Hiroshima. El ejército norteamericano lanzó una bomba atómica sobre Hiroshima, terminando la guerra contra Japón la ciudad entera fue destruida, miles de personas murieron y los sobrevivientes sufrieron graves heridas por las radiaciones.

Mi opinión personal: sus fotografías son muy interesantes ya que aunque son muy fuertes él buscaba la perfección en ellas y realizaba diferentes encuadres, además la luz que utilizaba hace que sus fotografías en su simpleza llamen la atención y sean para admirar.

Cibergrafía

http://zonezero.com/exposiciones/fotografos/bischof/intsp.html

http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=bischof-werner

Fecha de consulta

00/00/2013.


September 2009 through January 2010

(American, 1932).

Se reconoce como un practicante influyente en la fotografía conceptual. Se hizo famoso por sus imágenes en blanco y negro e imágenes de capas dentro de las imágenes, se centra en el acto de creación de imágenes, ofreciendo comentarios juguetón en verdad fotográfica y la ilusión, y utilizando la misma fotografía para cuestionar la veracidad de la media.

A lo largo de su carrera se vieron varios sucesos, entre los más destacados están :

* Josephson obtuvo un BFA en el Instituto de Tecnología de Rochester en 1957, donde estudió con Minor White.

*En 1960, obtuvo una maestría en el Instituto de Diseño del Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago, donde fue fuertemente influenciado por Harry Callahan y Aaron Siskind.

*Fue profesor en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago (1967 -1997), y miembro fundador de la Sociedad para la Educación fotográfica.

*Él es el receipient del John Simon Guggenheim Memorial Foundation comunión (1972).

* Dos Fondo Nacional de las becas de Artes (1975 y 1979).

Su obra se encuentra en colecciones de todo el mundo, incluyendo el Museo de Arte Moderno de Nueva York, el Museo Metropolitano de Arte, Nueva York, el Art Institute de Chicago, el Museo Nacional de Arte Americano, Smithsonian, Washington DC, el Museo de Arte Moderno, San Francisco; Bibliotheque Nacional, París, y Fotografiska Museet, Estocolmo. Una monografía retrospectiva de la obra de Josephson fue publicada por el Instituto de Arte de Chicago en 1999.

Algunas de sus mejores fotografías:

01

 Chicago,1980.

02

Polapan,1973.

06

Stockholm, Sweden, 1967.

13

New York State, 1970.

Este fotógrafo se caracterizó por sus imágenes a blanco y negro y por la forma de imágenes en capas.

En mi opinión me gusta el trabajo de este señor, es una forma diferente de interactuar la fotografía con el plano al que se está enfocando, logrando que la imagen se vea más llamativa y como en tercera dimensión.

Bibliografía

http://diarioadn.co/medell%C3%ADn/mi-ciudad/unidad-deportiva-atanasio-girardot-1.52287

http://www.medellin.gov.co/irj/portal/ciudadanos?NavigationTarget=navurl://1bfb3640e8c58a4e7d9d0e882ff6e08c

http://www.photoandart.com/josephson.htm

http://www.kochgallery.com/artists/contemporary/Josephson/index.html

http://www.kochgallery.com/artists/contemporary/Josephson/josephson_gallery/02.html

http://www.kochgallery.com/artists/contemporary/Josephson/josephson_gallery/13.html

http://www.kochgallery.com/artists/contemporary/Josephson/josephson_gallery/01.html

http://www.kochgallery.com/artists/contemporary/Josephson/josephson_gallery/06.html

Fecha de consulta

00/00/2013.

Sebastião Salgado es un fotógrafo muy reconocido a nivel mundial ya que es un miembro especial de la UNICEF. Es una persona que se preocupa mucho por los demás y por eso su trabajo se llama Socio-documental, este fotógrafo es Brasileño nacido en Aimorés en 1944, con 57 años de edad este personaje le ha dado la vuelta al mundo mostrando cómo la gente menos desfavorecida enfrenta la vida.

Empezó su carrera como fotógrafo en 1973, pero su primera publicación fue en en 1986 con el libro: Otras Américas, el cual está dedicado a las personas menos favorecidas que viven en América. El mismo año publicó Sahel: El Fin Del Camino , después de haber vivido con un grupo de médicos en África durante 15 meses, reportando cómo la gran sequía mataba lentamente las personas allí.  En 1986 trabajó por primera vez para la UNICEF donde tuvo la oportunidad de trabajar con muchas personas y por ende, tuvo otras publicaciones, tituladas:

1. Workers, trabajo con muchos trabajadores alrededor del mundo.

2. Migrations, trabajo con gente desplazada que se mueve alrededor del mundo.

3. The Children, una publicación derivada de su trabajo con los desplazados. Teniendo contacto con más de treinta millones de personas que no tienen una casa fija.

Una cualidad muy peculiar de este autor es que todas sus imágenes las toma en blanco y negro para respetar a la persona que está siendo fotografiada, ya que el autor señala que esto es la “dignidad humana”, que está siendo violada por la guerra, la violencia, la pobreza y la injusticia.

En el 2000 hace una exposición muy importante en Nueva York donde expone 30 imágenes de niños desplazados, que aparecen en el libro The Children. Ha tenido contacto con el movimiento mundial de niños armados pero se ha negado a publicar, ya que respeta los derechos humanos. Este autor no solo hace parte de la UNICEF, también de la OMS, la cual esta encargada de la salud.

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Foto Retrato de Salgado.

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Foto Sebastião Salgado- África.

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Foto Sebastião Salgado- Imigrants- Children.

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Foto Sebastião Salgado- Imigrants.

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Foto Sebastião Salgado- África.

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Foto Sebastião Salgado- “Génesis”.

Opinión personal:

Después de haber investigado sobre este fotógrafo creo que he cambiado de pensar, son imágenes demasiado difíciles de mirar que hasta se puede confundir con algo sádico, pero lo triste es que son la realidad del mundo en el que vivimos y no nos damos cuenta que estas cosas de verdad pasan.

Me gusta mucho la gente que se preocupe por los demás, y en el caso de Sebastião, se hace en su día a día ya que es un personaje que hace que sus espectadores abran los ojos ante una cruel y dura realidad. No soy capaz de ponerme en los zapatos de este autor ya que estoy segura que mientras él hace el reportaje, sufre, llora y se cuestiona sobre lo que ve. En consecuencia, me parece un personaje ejemplar que el mundo debe conocer y hacer notar.

Fuentes:

1. http://culturacolectiva.com/sebastiao-salgado-las-imagenes-tambien-matan/

2. http://www.praxisenamericalatina.org/7-11-fotos.html

3. http://www.unicef.org/spanish/salgado/bio.htm

Fecha de consulta:

00/00/2013.

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