Archivos para el mes de: febrero, 2014

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“La reportera del pueblo”

Nacida en mayo de 1895 en Estados Unidos, aprendió fotografía en una escuela en New York entre 1917 y 1919. Monta un estudio con el cual comienza a verse su inclinación como reportera social y fotoperiodista. Esta influencia se refleja en ella desde la situación que se estaba viviendo en las calles de Estados Unidos, hechos que la sensibilizaron y la llevaron a revelarse ante esto por medio de sus fotografías; su cámara captó desde mendigos hasta desempleados, mostrando siempre la cara cruel que su país estaba teniendo.

A raíz de sus fotografías con alto contenido de crítica social la contratan en la administración para la seguridad agraria, donde tenía como tarea documentar la pobreza que reinaba en las zonas rurales de su país, fotografías valiosas para la documentación de los aspectos de la vida en el campo en esa época.

Dorothea desde los 7 años se encontró de frente con la enfermedad, y en los años 60´s cuando tiene conocimiento de que padece de cáncer se dedica a los últimos proyectos que se conocen de ella, uno de ellos un diario fotográfico donde explica la forma de percibir el oficio de la fotografía y la pasión que la caracterizó a lo largo de su carrera.

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“Migrant Mother” Febrero 1936.

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“Japanese mother and daughter” Marzo 1937.

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“FSA Rehabilitation Clients” Agosto 1939.

“Te cuelgas la cámara en el cuello así como te calzas los zapatos y ahí está, un accesorio del cuerpo que comparte la vida contigo. La cámara es un instrumento que enseña a la gente cómo ver sin la cámara.”

Dorothea.

Esta fotógrafa es un claro ejemplo de cómo el contexto donde nace un artista influye en él, ella fue conocida y exitosa en una exposición que se hizo tras su muerte, donde se expuso el trabajo que llevó a cabo como fotoreportera en los campamentos de reclutamiento japoneses.

Su objetivo formó a lo largo de los años una importante historia de los Estados Unidos, contada a través de sus ojos.

Fuentes:

http://www.fotonostra.com/biografias/dorothealange.htm

http://www.ciudaddemujeres.com/mujeres/Fotografia/Lange.htm

Fecha de consulta: 04/02/2014.

Publicado por: Valeria Hernández.

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Nació el 4 de noviembre de 1946 en Queens, Nueva York y fue un fotógrafo estadounidense, célebre por sus fotografías en blanco y negro de gran formato, especialmente flores y desnudos.

Cursó estudios de pintura, dibujo y escultura. Más adelante se dedicó a la fotografía. Sus primeros trabajos fueron collages realizados con fotos de revistas y recubiertas con pintura pulverizada. Más tarde hizo sus propias fotografías con una cámara Polaroid.

Se hizo famoso por sus retratos de artistas, compositores, arquitectos, personajes de la vida social, estrellas de cine pornográfico y de miembros de la comunidad homosexual underground de Nueva York. En el año 1976 realiza su primera exposición individual, cambiando después a la cámara de gran formato para la siguiente exposición. En 1977 presentó, mediante composiciones clásicas, fotos de hombres desnudos. Consiguió la fama y fue tratado positivamente por la crítica. En otras muestras presentó fotos de flores. Experimentó con la luz y el color. Expuso en la galería Corcoran de Washington D.C. (1978), el Museo de Arte Moderno de París (1983) y el Museo Whitney de Nueva York 1988).

En junio de 1989 el artista Pop Lowell Nesbitt Blair se involucró en el escándalo que afectaba a su amigo Robert Mapplethorpe. La Corcoran Gallery of Art, el museo de arte más antiguo de Washington DC, había accedido a acoger una exposición individual de las obras de Robert Mapplethorpe, sin hacer una estipulación en cuanto a qué tipo de temática se utilizaría. Mapplethorpe decidió hacer su famoso debut de fotografías “sexually suggestive” (sexualmente sugestivas), que era una nueva serie que estaba explorando poco antes de su muerte. La jerarquía de la Corcoran, e incluso algunos miembros del Congreso se horrorizaron cuando les fueron mostradas las obras, por lo que el museo se negó continuar con la exposición. Fue en este momento en que Lowell Nesbitt Blair dio un paso adelante; fue durante largo tiempo amigo de Mapplethorpe y reveló que había dispuesto un legado en obras por un valor estimable en 1.500.000 dólares para el museo en su testamento, aunque, en declaraciones públicas que causaron un gran interés en la prensa al respecto de la cuestión,12 Nesbitt prometió que si el museo se negaba a acoger la exposición de las polémicas imágenes creadas por Mapplethorpe podría revocar su legado. El Corcoran se negó y Lowell Nesbitt Blair cambió el destino de su legado a la Colección Phillips, que citó como una fuente de inspiración en los comienzos de su carrera, cuando había trabajado allí en su juventud como vigilante nocturno.

Después de que la Corcoran Gallery of Art rechazara la exposición de Mapplethorpe, la comunidad de artistas de Washington, en represalia, ofreció una presentación nocturna de diapositivas de las fotos más explícitas sobre la fachada de mármol de la Corcoran. Una pequeña organización artística sin ánimo de lucro, el Proyecto de Washington para las Artes recogió y mostró las imágenes de la polémica en su propio espacio, desde el 21 de julio al 13 de agosto de 1989. La WPA no tenía un gran edificio, y estaban acostumbrados a recibir unos 40 visitantes cada fin de semana. Durante el primer fin de semana de la exposición de Mapplethorpe, 4000 personas se hacinaron en la galería.

En el año 1986 se le diagnosticó de SIDA. A pesar de su enfermedad, el artista incrementó su actividad creativa, amplió el alcance de su investigación fotográfica, y aceptó encargos cada vez más desafiantes.

Robert Mapplethorpe falleció en Boston el 9 de marzo de 1989. Antes de morir fundó The Robert Mapplethorpe Fundation Inc., una fundación que por un lado financia investigaciones médicas sobre el SIDA y por otro programas institucionales sobre fotografía.

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    Protea

Image    Phillip Prioleau, 1980.

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     Lisa Lyon 1982.

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 Lisa Lyon (1982).

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         Peter Gabriel, 1986.

Importancia: 

Robert fue un gran  célebre por sus fotografías en blanco y negro, especialmente flores y desnudos destacado como uno de los fotógrafos que destacaba la pornografía.

<<Me dediqué a la fotografía porque se me antojó como el vehículo perfecto para ilustrar la locura del mundo actual>>.

Robert Mapplethorpe.

Opinión Personal:

Nos parece muy interesante la manera en la que este fotógrafo innovó en el tema de la fotografía, así fuera criticado por miles de personas avanzó en su proyecto de fotografías al desnudo, que fue la que más polémica causó, hasta llegar a ser un artista reconocido.

Fuentes:

http://www.buscabiografias.com

http://bienaldefotografia.cordoba.es/index.php/seccion-oficial/robert-mapplethorpe

http://www.picsearch.es/Robert-Mapplethorpe-imagenes.html

http://elespiritudelchemin.wordpress.com/2010/07/06/robert-mapplethorpe-lo-siniestro-lo-hermoso-y-lo-ambiguo/

Fecha de Consulta: 04/02/2014.

Por:

María Isabel Arango

Santiago Tobón.

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Nereo López nace en Cartagena en 1920, pero prontamente se fuga de su ciudad natal y se dirige a Barranquilla, donde fue empleado como camarógrafo de cine. En 1947 es transferido a Barrancabermeja y comienza  su entusiasmo por la fotografía luego de leer el libro: cómo hacer buena fotografía, de Nikon. A partir de este momento Nereo comenzó a realizar fotografía de una forma convencional, y a raíz de que su pasión por la fotografía fuese mayor que su pasión por el cine, Nereo se convirtió en reportero gráfico.

Siendo reportero gráfico Nereo logra publicar su primer reportaje en la revista Cromos en el año 1950, y dos años después aparece la primera fotografía de Nereo en la revista, en el siguiente año El Espectador público una foto de Nereo en la portada del periódico. En el año 1956 comienza su trabajo en los periódicos El Espectador y El Tiempo como corresponsal, al año siguiente es nombrado jefe de fotografía en la revista Cromos y pasa a vivir en Bogotá; en 1958 abre su propia empresa de reportería y comienza a trabajar para las revistas Time, Life y O’cruzeiro.

El éxito de Nereo fue tan grande que en el año1960 gana el premio al mejor reportero en O’cruzeiro, luego en 1964 logró obtener el primer lugar en el concurso internacional de Kodak en New York; fue libretista de Gabriel García Marqués en el cortometraje experimental: La langosta azul; en 1997 recibió el homenaje nacional de fotografía junto con la orden del ministerio de cultura, en el año 2000 recibe la más alta condecoración que otorga el estado (La Cruz de Boyacá), dos años después se le hace entrega del premio vida y obra por el ministerio de cultura.

Entre las publicaciones de Nereo se encuentran: El ensayo gráfico: El guajiro Colombiano y el reportaje gráfico: El río Magdalena, ambos publicados en 1961. Sus libros: El libro de los oficios infantiles; Los que esperan y su imagen; Cali, Ciudad de América; Herederos del mañana, Colombia que linda eres y Nereo Imágenes de medio siglo. Además ha participado en la elaboración de: Maravilloso Ecuador y Maravillosa Venezuela.

Importancia

La importancia de Nereo en el contexto actual es grande, ya que a pesar de pertenecer a una generación de fotógrafos enfocados a técnicas del siglo pasado, Nereo hace uso de las nuevas tecnologías y desarrollos que se han generado en la fotografía, lo que se ve reflejado en la forma en cómo él entiende la fotografía, siendo esta una forma de comunicar en donde la técnica no es una técnica fija, si no que es en realidad un herramienta que dependiendo de su uso puede contribuir con el mejoramiento en la forma como un fotógrafo puede comunicarse de diferentes maneras y haciendo uso de nuevas herramientas que antes no existían.

Opinión personal

Nereo López es un personaje que basa sus trabajos en la exaltación de las tradiciones socioculturales que rodean a nuestro país al igual que lo hace embarcándose en la búsqueda de nuevas composiciones visuales que se pueden encontrar inesperadamente y que se desarrollan en el ámbito social y cultural del mundo.

Para nosotros Nereo captura los momentos dejándolos congelados en el tiempo siendo a través de ello un patrocinador y promotor de la cultura y de las tradiciones a través de la imagen y de la sensibilidad que se ve en cada una de ellas, inmortalizando un legado de comunicación visual que exalta la cultura de su país nativo, siendo así un embajador nuestro en otros lugares del mundo por medio de lo que el lente de su cámara puede captar.

De cada punto que él examina para buscar una foto, trata de sacarle jugo a cada parte por la que está compuesta y así poder con una simple foto, transmitir una serie de sensaciones que pueden partir desde los sentimientos arraigados al dolor y a la desesperación (como se puede ver en las fotografías de un entierro o de la cárcel), tal y como lo puede hacer con la expresión del regocijo y alegría que se ve en una fotografía de una fiesta popular o de la sonrisa de un personaje cualquiera de la sociedad.

Un Cartagenero que habla del mundo a través del visor de su cámara.

 

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 Madre posa con su hija. (Chimá, Córdoba. 1964).

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Corralejas (Sincelejo, 1962).

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 La Modelo (Bogotá, 1960).

Fuentes:

http://www.youtube.com/watch?v=UTBky-vOib8

http://www.revistaexclama.com/nereo-lopez-una-retrospectiva/

http://www.lasilueta.com/nereo

http://www.bibliotecanacional.gov.co/content/nereo-un-contador-de-historias

Fecha de consulta: 03/02/2014.

Por:
Juan Santiago Jaramillo
Luis Cuervo López.

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Paul Strand, fotografía tomada por Alfred Stieglitz, 1917.

Imagen tomada de: http://oscarenfotos.files.wordpress.com/2013/06/paul_strand_steiglitz_1917.jpg

Nació el 17 de Octubre de 1890 en Nueva York (Estados Unidos) en una familia bohemia dedicada al comercio de cerámica. Su padre le regaló su primera cámara cuando tenía 12 años. Dos años más tarde, en la Ethical Culture High School fue alumno de Lewis Hine, fotógrafo bastante conocido, quien lo puso en contacto con la fotografía y con el grupo Photo-secession (fundado en 1902, se enfocaba en la fotografía de los inmigrantes que llegaban a Ellis Island). Hine fue con sus estudiantes a la Gallery291 de Alfred Stieglitz, donde Strand pudo conocer el trabajo de Julia Margaret Cameron, Gertrude Kasebier y Clarence Hudson White.

A comienzos del siglo XX, la fotografía se utilizaba para imitar a la pintura. Esto se lograba por medio de suaves fuentes de luz, composiciones elaboradas y cámaras con el diafragma muy abierto, obteniendo profundidad de campo corta, aumentando la sensación de sutileza. A pesar de que la fotografía era vista de esta manera, el fotógrafo luchó en defensa de la fotografía como arte, pues en la época en la que vivía era común que el arte no fuese visto como más que una forma burda y fácil de reflejar la realidad, debido a que se pensaba que la fotografía era más un proceso mecánico que artístico. Además, se contrapuso al movimiento  pictorista, que utilizaba la fotografía únicamente como medio más rápido para llegar al mismo resultado que la pintura. Fue por eso entonces, que se enfocó en realizar fotografías de la gente de la calle, tratando de llegar más al lado psicológico de sus imágenes que simplemente a lo estético.

Para él, el tema y sujetos de la fotografía no eran simplemente la “ocasión” de la fotografía, sino la razón en sí misma de la imagen. El padre de Strand, aunque gustaba de la fotografía, no la veía como una fuente de ingresos, por este motivo, Paul tuvo que mantenerla como un hobby hasta que finalmente se unió al  Camera Club of New York. A partir de 1915, gracias a la  influencia recibida en el club de fotógrafos, Strand cambió su estilo de  fotografías de foco suave, por un estilo más moderno conseguido por medio de un diafragma más pequeño. Sus obras y exhibiciones entre 1916 y 1920 muestran el interés por lo abstracto y por lo simple, en ellas se puede ver cómo se trata de simplificar la realidad. En estas fotografías aparecen elementos cotidianos, sombras y todo tipo de objetos muy difíciles de reconocer (Fotografía directa: imagen sin manipulaciones).

Además de la fotografía directa, Strand es reconocido por su fotografía documental, en la cual busca la armonía de la forma y del contenido, para poder representar correctamente la realidad. Es reconocido también por su interés por la fotografía “naturalista”, en donde no toma imágenes de las plantas o animales para tratarlos como sujetos de estudio, sino como paisajes en miniatura, mostrando el ritmo de la naturaleza y lo salvaje en el microcosmos.

Estuvo presente en ambas guerras mundiales, y tanto durante como después de la gran depresión de los 30s decidió establecer junto con  Berenice Abbot la “Liga de fotografía” en Nueva York, en donde se concentraron más que todo en fotografiar a las clases más pobres y a los trabajadores, además de presenciar las protestas que se llevaban a cabo en aquella época.

Participó en varios otros proyectos a través de países como México, Ghana, Italia, Francia y lo que en ese entonces era la Unión Soviética, para finalmente en a finales de los años 40s, salir de Estados Unidos debido a varias persecuciones políticas llevadas a cabo después de la Segunda Guerra Mundial y mudarse a Francia, en donde permaneció hasta su muerte el 31 de Marzo de 1976.

Paul Strand es muy importante porque defendió a la fotografía como un arte que va mas allá de la captura de imágenes 100% realistas o fieles a un paisaje y sin realmente ver los simbolismos y la parte psicológica, además rompió con la idea de que la fotografía tenía como único propósito imitar a la pintura.

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The white fence, Paul Strand, 1916.

Imagen tomada de: http://www.filmsnotdead.com/wp-content/uploads/2012/02/175534123_eb16e6df7e.jpg

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Blind, Paul Strand, 1917.

Imagen tomada de: http://fotosfera.com/files/2012/12/Blind-Paul-Strand-1916.jpg

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The key, Paul Strand, 1918.

Fotografía tomada de: http://cueflash.com/cardimages/questions/thumbnails/5/1/6415953.jpg

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Young Boy, Paul Strand, 1951.

Fotografía tomada de: http://oscarenfotos.files.wordpress.com/2013/06/paul_strand_47.jpg

Video: http://www.youtube.com/watch?v=fGAt0ic52gc

Opinión personal: Paul Strand fue un gran fotógrafo, demostró que la fotografía era en sí misma un arte y que no solo servía para recrear escenas ya pensadas, sino que también era una herramienta de documentación y comunicación de la realidad.

Fuentes:

http://www.spartacus.schoolnet.co.uk/USAPstrand.htm http://www.elangelcaido.org/fotografos/strand/strand.html http://www.atgetphotography.com/The-Photographers/Paul-Strand.html http://oscarenfotos.com/2013/06/29/paul-strand-el-fotografo-directo/ http://parturientmontes.blogspot.com/2013/02/paul-strand-1890-1976.html

Fecha de consulta: 02/02/2014.

Realizado por:

Andrea Ángel Jaramillo y Laura Castañeda Orrego – Grupo 01.

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Sebastião Salgado nació en Brasil el 8 de febrero de 1944, en Aimorés, Minas Gerais.

En 1963 fue a la universidad para estudiar economía y terminó en 1967. En São Paulo realizó una maestría en economía. Trabajó en el Ministerio de Finanzas de Brasil y en la sede londinense de la Organización Nacional del Café, y fue en Europa donde descubrió su interés por la fotografía.

Viajó con frecuencia a África en misiones afiliadas al Banco Mundial. Fue entonces cuando comenzó a tomar sus primeras fotografías.

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Edición de Arte A – No. 1-100
Dos mujeres mursi, Valle del Omo, Etiopía, 2007.

A su regreso a Londres estas imágenes empezaron a preocuparle, y abandonó su carrera como economista. A principios de 1973, él y su esposa regresaron a París para que pudiera comenzar su vida como fotógrafo.

Se unió a la agencia fotográfica Gamma en 1975 y En 1977 inició un largo ensayo fotográfico sobre los indios y campesinos de América Latina. Este trabajo fue publicado como su primer libro, Otras Américas, en Francia, España y Estados Unidos.

Entre 1984 y principios de 1986 trabajó junto con la organización humanitaria Médicos Sin Fronteras, en un proyecto de 18 meses de duración que documenta la hambruna en África.

Durante esa etapa publico dos libros, “Sahel, l’Homme en Détresse” (Hombre en apuros) en Francia y “Sehel el fin del camino” en España.

De 1986 a 1992 viajó a 23 países para crear una serie de fotografías del fin de la era industrial a gran escala. En 1993 publicó el libro “Trabajadores: arqueología de la era industrial”

En 1993 comenzó otra serie de fotografías, inspirado por los trabajadores, que se llamaría “Migrations“. Este proyecto lo llevaría a 43 países, en todos los continentes, para documentar los pueblos que abandonaron el campo para ir a las ciudades.

Importancia

Salgado es uno de los reporteros gráficos contemporáneos más respetados del mundo, fue nombrado Representante Especial del UNICEF el 3 de abril de 2001, se ha dedicado a retratar las vidas de los desposeídos del mundo, es miembro honorario de la Academia de las Artes y las Ciencias de los EE.UU. Ha recibido numerosos premios, entre ellos varios doctorados honorarios y otros muchos reconocimientos por su trabajo fotográfico, y además ha diseñado sus principales libros y exposiciones.

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Êxodos

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Les Hmongs

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Serra Pelada

Libros
Éxodos
Terra
La mina de oro de Serra Pelada
La Mano del Hombre
Otras Américas
Sahel: l’Homme en Détresse
Les Hmongs

Opinión 
Este fotógrafo tiene dos puntos de vista. Uno es positivo, pues nos parece que este artista se dio a la responsabilidad de contar al mundo qué pasaba en la realidad de muchas personas, igual de humanas al resto pero en circunstancias muy distintas. Su manera de relatar un suceso o una realidad por medio de una fotografía es muy clara y sincera, aunque cruda y podría decirse sin escrúpulos.

Por otro lado vemos un poco de amarillismo disfrazado en “querer informar” al resto del mundo lo que está sucediendo.

Su juego con el blanco y negro y sus escenarios, transmiten un sinnúmero de sentimientos que hacen aún más dramático el mensaje.

Todas estas opiniones hablan sobre la mayoría de fotografías del artista, sin ánimo de demeritar el resto de trabajos hermosos como fotografías culturales y de fauna y flora.

Fuentes de consulta:

http://www.buscabiografias.com/bios/biografia/verDetalle/6480/Sebastiao%20Salgado

http://www.unicef.org/spanish/salgado/bio.htm

http://clubdefotografia.net/sebastiao-salgado/

Enlaces recomendados:

http://www.amazonasimages.com/

Fecha De Consulta: 04/02/2014.

Por: Santiago Escobar y Vanessa Bolívar.

Nació el 3 de marzo de 1918 en la ciudad de Nueva York. Estudió en la escuela superior de Miami Beach entre 1934 y 1936. Después de aquello se empieza a interesar por el retrato y comienza a trabajar como ayudante de fotografía para Leon Perskie.

En 1941 Newman se muda a Nueva York y a través del apoyo de Beaumont Newhall y Alfred Stieglitz, vende algunas fotografías al Museo de Arte Moderno de Nueva York y en 1946 abre su propio estudio.

Newman desarrollará el concepto de ‘retrato ambiental’ en el cual sitúa al retratado dentro de su lugar habitual de trabajo para así sacar el mejor partido a su carácter. Sus retratos reflejan la personalidad del sujeto.

Newman ha publicado sus fotografías en numerosas revistas, incluyendo Harpers Bazaar, Time, Life, Look y New York Times. En 1951 gana el premio de la Photokina en Colonia.

En 1956 realiza retratos de los candidatos presidenciales Nixon, Eisenhower y Kennedy para la revista Life, y retrata a artistas como Picasso, Braque y Dubuffet.

En 1957 Newman obtiene el “Financial World Annual Report”, con un reportaje industrial sobre la Ford Motor Company. Los dos años siguientes realiza una serie de fotografías publicitarias sobre la compañía IBM.

En 1975 recibe de la Asociación Norteamericana de Fotógrafos el premio “Life Achievement in Photography”.

Al año siguiente, recibe un encargo del National Portrait Gallery de Londres para realizar retratos de políticos, artistas, científicos, músicos, actores, escritores y otras figuras importantes de la vida cultural y política de Inglaterra.

En 1981 recibe el título de Doctor en Bellas Artes por la Universidad de Miami en Coral Gables (Florida).

Importancia:

Nos parece que  Newman fue muy importante ya que resaltó el entorno a la hora de tomar un retrato, ya que mediante éste contextualizó a muchas figuras famosas como pintores, políticos, actrices, entre otros; así logró que la gente reconociera estas personas por lo que hacen y no solo por una imagen de su rostro.

Reseña personal:

Pudimos notar que este fotógrafo tuvo mucha relevancia en el campo de la fotografía retratando a personajes famosos tales como Pablo Picasso, Marilyn Monroe, Salvatore Dalí, Jhon F. Kennedy, pero más que resaltar su importancia en ese medio queremos hablar sobre algo que nos llamó mucho la atención; su forma de tomar dichas fotografías; él decía que una fotografía de alguien famoso no era nada si no hablaba de lo que hacía esa persona, así que él complementaba sus fotografías con segundos planos muy interesantes y ese era su modo de hacer que la fotografía “hablara por sí sola”, más que mostrarnos ídolos, sus fotos expresaban los que “los representaba”, por ejemplo la foto de Pablo Picasso en su estudio… Este hombre era un genio a la hora de manejar el segundo plano pues hacía que el entorno de sus fotografías hablara de la persona que estaba en ella.

Salvador Dalí, New York NY, 1951.

Yitzhak Rabin, Israel, 1967.

Woody Allen, New York NY, 1996.

Fuentes de consulta:

http://arnoldnewman.com/media-gallery/detail/58/343

http://numerof.com/blog/?p=986

http://arnoldnewman.com/media-gallery/detail/58/349

http://arnoldnewman.com/media-gallery/detail/58/347

Fecha de consulta: 00/00/2014.

Autores:

Andrés Correa Méndez

Andrés Montoya Carvajal.

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Alfred Stieglitz

Biografía

Alfred Stieglitz fue un fotógrafo estadounidense, de origen judío-alemán.

Nació el 1 de enero de 1864 en Hoboken, Nueva Jersey como el mayor de seis hermanos y creció en la zona este de Manhattan. Alfred se encontró con la fotografía a la temprana edad de 11 años, observando las manipulaciones que en su realizaba un retratista local en su laboratorio.

En 1881 él y su familia se mudan a Alemania y al año siguiente empezó a estudiar ingeniería mecánica en la Technische Hochschule de Berlín y luego de adquirir su primera cámara cambió estos estudios por los de fotografía.

En sus estudios intentó y consiguió saltar las barreras vigentes en la época, como por ejemplo el que sólo se pudieran tomar fotografías a plena luz. Investigó con luces y bulbos y llegó a obtener un negativo perfecto con una exposición de 24 horas. Lo que en principio era una pasión por la fotografía, con el tiempo llegó a convertirse en  una obsesión.

Realizó una serie de viajes por Europa, durante los cuales tomó numerosas fotografías de tema campestre: campesinos trabajando en las costas de los Países Bajos o la naturaleza virgen en el entorno de la Selva Negra alemana.

Muchos de los amigos que rodeaban a Albert eran pintores lo que lo llevó a luchar incansablemente por el reconocimiento de la fotografía y durante la década de 1880 se ganó progresivamente la admiración y el respeto de sus colegas europeos, y obtuvo también numerosos premios.

En 1893, tras su regreso a Nueva York, se casó con Emmeline Obermeyer con quien más tarde tiene a su hija Kitty, en 1898.

De 1893 a 1896, Stieglitz fue editor de la revista American Amateur Photographer; sin embargo, su modo de trabajar era brusco, autocrático, y alienante para muchos de los suscriptores, debido a esto se ve forzado a renunciar y posteriormente se convierte en el fundador y editor de las revistas “Camera Work” y “Camera Notes” en un intento más de promoción de la fotografía.

A los grandes clubes fotográficos que por entonces estaban de moda en Estados Unidos no les satisfacía lo que Stieglitz hacía, por ello, en 1902 organizó un grupo al cual sólo se podía entrar por estricta invitación, y lo llamó Photo-Secession con el objetivo de forzar al mundo del arte a reconocer la fotografía “como un medio distintivo de expresión individual”. Photo-Secession llevó a cabo sus propias exposiciones.

Stieglitz se divorció de su mujer Emmeline en 1918 y unos años más tarde se casa con la pintora Georgia O’Keefe, que llegaría a ser su fuente de inspiración en numerosos retrato.  Ambos alcanzaron en éxito, él como fotógrafo y ella como pintora.

En los comienzos del siglo XX las fotografías de Stieglitz con nieve, lluvia, obscuridad, etc. hicieron impacto en la sociedad que llegó a reconecerle como una autoridad en la materia, siendo incluso premiado fuera de su país en algunos concursos pioneros.

En contraste al uso de la época, desarrolló un estilo pictorialista con su cámara en las más adversas condiciones, que desterró el concepto de “arte mecánico” que tantas veces se ha asignado a la fotografía.

El trabajo fotográfico de Stieglitz terminaría en 1937 debido a su enfermedad cardiaca. Durante los diez últimos años de su vida, veraneaba en el Lago George de Nueva York trabajando en un cobertizo que había convertido en un cuarto oscuro, y pasaba los inviernos con O’Keeffe en el Shelton de Manhattan, el primer hotel rascacielos de la ciudad. Murió en 1946 a la edad de 82 años, siendo todavía un firme apoyo para O’Keeffe, como lo fue siempre ella para él.

Importancia

Alfred Stieglitz ha sido uno de los grandes maestros de la fotografía, en sus obras refleja más de medio siglo. Stieglitz es uno de los mas prolíficos, pero con su energía y su perspicacia lo llevaron a abordar cantidades de problemas que los artistas americanos tenían en aquel tiempo, fue uno de los primeros en utilizar las cámaras instantáneas, comenzó con un grupo de retratos psicológicos más importantes de la fotografía moderna, tenía muy buena capacidad para utilizar recursos comunes de las ciudades en sus fotografías y se interesó en hacer una mezcla de pintura, fotografía, la llamó pictorialismo o fotografía directa, y lo más importante, se preocupó porque la fotografía fuera reconocida como arte.

Reseña Personal

Para nosotros Alfred Stieglitz fue un fotógrafo muy importante, ya que luchó y consiguió que la fotografía fuera apreciada y criticada en el mundo del arte, logrando así que estuviera a par con la pintura y la escultura, fue muy importante también en los aportes que realizó con el pictorialismo.

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“Steerage”

1911, Camera Work photogravure
7 3/4″ x 6 3/16″.

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“The Ferry Boat”

CW no. 36
1911, 1910, Camera Work photogravure.

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“The Glow of Night, New York”

1897, photogravure from “Picturesque Bits of New York”,
1897,4 3/4 x 9.

Fuentes de consulta:

http://es.wikipedia.org/wiki/Alfred_Stieglitz

http://www.elangelcaido.org/fotografos/stieglitz/stieglitz.html

http://www.leegallery.com/alfred-stieglitz/alfred-stieglitz-photography-2

Fecha de Consulta: 03/02/2014

Por:

Andrés Díez

Alejandra Arango.

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Nacido en Maddalena (Cerdeña) en 1925, Franco Pinna fue un fotógrafo italiano reconocido por su estilo de “enfoque firme” y el contraste en sus fotografías, murió a los 53 años en la ciudad de Roma.

Trabajó como operador cinematográfico pero abandonó este trabajo ya que le impedía expresarse, esta sed de expresión personal lo llevaría a trabajar en reportaje gráfico, lo que lo condujo a colaborar con el profesor Ernesto de Martino en la fotografía etnográfica en 1958, ésta se involucraba en una expedición al sur de Italia para reconstruir el itinerario de Carlo Levi.

En este trabajo se recopilaron imágenes que reflejaban la realidad y sencillez de los rostros de la gente, por medio de la técnica de “enfoque firme” eliminando cualquier efecto que pudiera resultar teatral o anti-natural. Obviaba también cualquier aparición de la sociedad capitalista.

Pinna se dedicó por un corto periodo de tiempo al reportaje donde escribió artículos que acompañaba con sus fotografías. En su etapa final Franco Pinna se dedicó a retratar Italia, por medio de sus “naturales” fotografías, retratando Cerdeña y sus alrededores llamándolas “las tierras del silencio”.

En los años sesenta dividió su ocupación entre organizar números especiales de fotografía que anunciaban la elaboración de películas hechas por Fellini y también con su colaboración en publicaciones internacionales de gran prestigio como: Life, Stern, Sunday  Times y Vogue, colaborando también con las revistas Panorama, L´espresso y Vie nuove.

Importancia

Franco Pinna se diferenciaba de otros fotógrafos ya que en lugar de retratar el mero instante, Pinna se esforzaba en crear el ambiente propicio para lograr capturar la foto perfecta. En palabras de Fellini, “más que mirar las cosas parece que las escuchara”.

Opinión Personal

Para nosotros Franco Pinna tuvo tres aspectos esenciales por los cuales destaca de otros fotógrafos. En primer lugar, el estilo de “enfoque firme” que permitía una percepción real del aspecto de sus modelos, también el uso de contrastes en sus fotografías le daba un acabado novedoso en las imágenes. Finalmente, su concentración y esmero en lograr captar la imagen perfecta en lugar de conformarse con el instante de “atrapar la foto”.

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First photo: Franco Pinna, Giulietta Masina on the set of “Giulietta degli spiriti” (Fellini, 1965), vía chagalov.tumblr.com.

Second photo: Franco Pinna, Federico Fellini on the set of Juliet of the Spirits, 1965 © Franco Pinna, vía www.theconstantbuzz.com

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Franco Pinna, Lamentatrice di Pisticci, Basilicata, 1952 © eredi Franco Pinna courtesy Admira, vía www.repubblica.it

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Franco Pinna , Gròttole, Basilicata, Porco di S. Antonio, ca. 1955, vía www.stevenkasher.com

Fuentes:

http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=pinna-franco

http://it.wikipedia.org/wiki/Franco_Pinna

http://www.lomography.com/magazine/lifestyle/2012/01/17/neorealism-italy-through-the-lens-of-franco-pinna

Fecha de Consulta: 03/02/2014.

Por:

Luis Ospina Ospina.

Sebastián Correa Llano.

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Santiago Harker es un fotógrafo colombiano nacido en Bogotá en 1951. Durante su vida realizó diferentes estudios, entre los cuales podemos destacar ingeniería mecánica, en Bogotá, en 1969 y, un año de ingeniería industrial, en Inglaterra en 1976. También, podemos recalcar sus estudios en fotografía en el año 1994 en Estado Unidos.

No obstante, antes de iniciar este postgrado en fotografía, Harker ya había publicado, en 1992, su primer libro titulado “Colombia Inédita”. En él, se hace una exposición de la Colombia campesina y trabajadora, así como de la gente sencilla y la vida cotidiana. Igualmente, muestra las expresiones culturales y las tradiciones populares.

Además, Santiago Harker, realizó una obra titulada “Apalaachi, pescadores Wayuu” que generó un gran cambio en su carrera. En efecto, debido al auge de la fotografía digital, Harker debió cambiar sus antiguas técnicas y adaptarse a lo que el siglo XXI le ofrecía. Para culminar este trabajo, necesitó de ocho años durante los cuales realizó numerosos viajes a la Alta Guajira y preparó su material visual.

Este reconocido fotógrafo documental recorrió los pasos de la ruta que alguna vez emprendió Agustín Codazzi para realizar la cartografía de varias provincias desconocidas. Este material fotográfico lo recolectó durante 9 años y lo publicó en el 2013 en un libro titulado “Colombia de reojo”. Muchas de las imágenes que Harker captó en sus recorridos aparecen aquí cotejadas con láminas originales de la Comisión, creando una interesante lectura tanto de los cambios como de las permanencias que se han dado en el país a través de los siglos.

Este bogotano, nos deja una gran enseñanza en el campo de la fotografía ya que asegura que esta es subjetiva, pues está relacionada con las obsesiones y los sueños que son los elementos que realmente se tratan de plasmar y de enfocar. Hoy en día, Harker enseña fotografía en la Universidad Nacional de Colombia en Bogotá.

Finalmente, es necesario recordar que sus obras han sido exhibidas en salas de Colombia, Venezuela,México, Estados Unidos, Islandia, Finlandia y Dinamarca.

Santiago Harker

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Manaure, La Guajira, Colombia, 1997.

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Jerez, Zacatecas, México, 1995.

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Cangrejito, La Guajira, Colombia, 2001.

Fuentes de consulta:

http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=5496&pagact=1&dirpa=http:$1col$$1col$www.colarte.com$1col$recuentos$1col$H$1col$HarkerSantiago$1col$critica.htm

http://m.eltiempo.com/culturayocio/el-fotografo-bogotano-santiago-harker-congela-en-su-lente-la-sabiduria-de-los-pescadores-wayuu/7392790

http://www.irisramler.com/artistas/harker/har_bio.html

http://www.librerianorma.com/autor/autor.aspx?p=ttYQZaoKhrMT/gMGkjkzjhns01q/89yM

Fecha de Consulta: 01/02/14

Por:

Nicolás Quintas.

Valentina García.

Leo Matiz Espinosa - Fotógrafo Universal. -Foto Captada en Octubre de 1950

Leo Matiz Espinosa – Fotógrafo Universal.
Foto Captada en Octubre de 1950.

” Un Caballero Sin Caballo”

Leo Matiz es uno de los fotógrafos más versátiles y singulares de la legendaria y memorable generación de reporteros gráficos que renovaron la escena del foto-periodismo durante las primeras seis décadas del siglo XX en América Latina, Estados Unidos y Europa.

Matiz nació en Rincón Guapo en 1917, una aldea de Aracataca Magdalena. En su adolescencia viajó a Bogotá para laborar en el periódico El Tiempo y frecuentó la vida bohemia de los cafés con los pintores y caricaturistas famosos a finales de la década de 1930. Por exigencia de Enrique Santos “Caliban” Molano, abuelo de Juan Manuel Santos, actual presidente de Colombia, Matiz adoptó la fotografía y consolidó en Colombia una reputación de reportero gráfico alerta con las situaciones y en un cazador penetrante del azar y las almas de los personajes captados con su cámara Rolleiflex.

Leo Matiz .Edad de 20 años   Captada Septiembre de 1937

Leo Matiz .Edad de 20 años Captada Septiembre de 1937

Matiz viaja de manera infatigable por los cinco continentes y volcó su talento igualmente como foto-fija en el cine, la fotografía publicitaria, creador de periódicos y fundador de galerías de arte, exhibiendo por primera vez en 1951 al pintor Fernando Botero en la galería de arte Leo Matiz.

México, Centroamérica, Estados Unidos, Los Andes latinoamericanos, El Caribe, Palestina, Beirut, Tel Aviv y Venezuela, son algunos de los escenarios en los que revoloteó el alma indoblegable y apasionada del fotógrafo Leo Matiz, orientando su mirada hacia lo que Henry Carier Bresson denominó “el momento decisivo”, ese instante irrepetible en el que convergen lo inesperado de la vida humana, una retina capaz de ir más allá de lo visible y una sensibilidad extraordinaria para comprender el vértigo de la historia y el drama humano más allá del implacable ritmo de las rotativas de prensa.

Saltando de un país a otro, de un continente a otro, la vida creativa y tumultuosa de Leo Matiz obtuvo reconocimientos meritorios como el premio Chevalier des arts et des lettres, concedido por el gobierno francés en 1995 y en 1997 el Filo de Argento en Florencia, Italia. En 1998 el gobierno colombiano le rinde homenaje y lo reconoce como uno de los grandes protagonistas de la fotografia del siglo XX.

Leo Matiz fue un auténtico colombiano y su muerte, ocurrida el 24 de octubre de 1998 , lo vinculó de modo definitivo y perdurable a la memoria visual del Siglo XX.

Obras : 

Venezuela “Sentido De lo Moderno”

Venezuela  Siglo XX , 23 de Enero de 1958

Venezuela Siglo XX , 23 de Enero de 1958 “El sentido de lo Moderno”.

Esta imagen representa los 20 años de la vibrante modernidad de Venezuela a través de los años setenta.

Leo Matiz, concepto abstracto.

Leo Matiz, Abstracto 1940-1980 Vintage Contemporáneo.

Leo Matiz, Abstracto 1940-1980, Vintage Contemporáneo.

Observamos en esta imagen el universo abstracto de Leo Matiz, una imagen de vintage contemporáneo que data desde los años 1940 hasta 1980 cómo juega o capta la abstracción y la geometría que surge de la naturaleza en el juego de la luz sobre los objetos.

Los rostros de América.

Celia Cruz, En Cuba 1956" Rostros de America "

Celia Cruz en Cuba, 1956. “Rostros de América”.

Podemos observar a la famosa Celia Cruz, que fue escogida por Leo Matiz para registrar las mujeres de los rostros de América Latina.

Obra " Los Musicos " Clarinete ,Foto 1961.

Obra “Los Músicos”, Clarinete. Foto 1961.

En esta fotografía podemos ver uno de los recorridos de Leo Matiz en 1939 por el Río Magdalena y su amor por la música en estos sectores geográficos.

Nota : Leo Matiz, es uno de los fotógrafos más versátiles de la legendaria generación de artistas que renovaron la escena durante la primera mitad del siglo XX en América y Europa ,”Un caballero sin caballo”.

Fuentes:

– Biografía Leo Matiz :

– Fotografías, galería y obras:

Fecha de consulta: 00/00/2014.

Por :

Diego F. Navarro Mendoza.

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