Archivos para el mes de: agosto, 2014

avedon

Richard Avedon nació en Nueva York en 1923. Es uno de los mitos contemporáneos de la fotografía de moda y del retrato, que trabajó para publicaciones de tanto prestigio y éxito como Vogue, Life o Harper’s Bazaar.

Su carrera como fotógrafo profesional comienza a principios de la década de 1950 y alcanza la fama en la década de los 60. Fue de los primeros fotógrafos en dotar de cualidades artísticas a la fotografía de moda.

En esa época realizó trabajos de un marcado carácter social. Por ejemplo, retrató las actividades del Movimiento por los Derechos Civiles del Sur de Estados Unidos o, más adelante, a las víctimas de la guerra de Vietnam.

Avedon introduce un nuevo concepto del retrato. Dirá: “Constituye el resultado de la dialéctica que se establece entre el fotógrafo y el modelo que se sabe fotografiado”.

Richard no tratará de captar los valores externos o internos del personaje, sino de realizar una especie de radiografía. Ésta trasparentará hasta qué punto el modelo necesita su máscara y juega su papel.

Las imágenes de Avedon, de una extraordinaria sobriedad estilística, dejan siempre solo al personaje frente a un fondo liso, mirando a la cámara y encerrado dentro de los márgenes del fotograma. En todas ellas, se trasluce el deseo de frialdad y distanciamiento del fotógrafo. Richard Avedon sufrió un accidente cerebrovascular en 2004 realizando un trabajo para la revista The New Yorker sobre las elecciones presidenciales de ese año. Murió pocos días después.

Para él la fotografía era como una confrontación creando una tensión para capturar la verdad interior de sus modelos. En palabras suyas “la fotografía es como una actuación, pues parece ocultar la realidad del sujeto pero va mucho más allá. El hecho es que no se puede captar la auténtica naturaleza del sujeto eliminando todo lo que le rodea. Solo se puede llegar más allá de ese circo trabajando con ese circo. Lo único que se puede manipular es ese circo, los gestos, los trajes, las expresiones… de un modo radical y correcto”  Siempre trató de buscar contradicciones conectadas en las personas que fotografíaba y lo conseguía

Fue considerado uno de los diez mejores retratistas del mundo por la revista “Popular Photography“, lo que le abrió las puertas a poder retratar a personalidades de todo tipo como Charlie Chaplin, Buster Keaton, Stravinsky, Jhon Ford, Andy Warho, Truman Capote, Francis Bacon, Jorge Luis Borges, The Beatles, Sofia Loren, la familia Kennedy y muchos más.Su éxito fue tal que sus trabajos frecuentaban algunas de las revistas más populares de la época como Harper´s Bazaar y Vogue. Incluso en 1957 la película Funny Face le rendía un pequeño homenaje al incluir un fotografo de moda claramente inspirado en Avedon.

Opinión personal:

Desde mi punto de vista considero que el fotógrafo Richard Avedon fue una persona creativa de mente muy abierta y decidido a realizar un trabajo increíble con respecto a las mujeres, debido a que impusó e incursionó a la mujer como un arte natural para las revistas y portadas de moda, viendo que hoy en día son las mujeres parte fundamental de la imagen de una revista de moda, además de ser participe de fotografías de guerra y tener la oportunidad de fotografiar a personajes que hoy en el presente son y fueron personas muy importantes en los medios.

Para la época en la que él vivía era netamente insípida la fotografía, pero Richard logra valorar como humanos los pequeños momentos, tener hambre, dolor, alegría, cualquier acto diario simple y natural, valoraba la intensidad de la persona y además decía que quería hacer retratos tan intensos como la persona.

Fuentes:

http://ojoacromatico.blogspot.com/2013/10/richard-avedon-retratos.html

http://aficionadosalafotografia.com/maestros-de-la-fotografia-richard-avedon/

http://www.fotonostra.com/biografias/richardavedon.htm

Fecha de consulta: 00/00/2014.

(1891-1956)

Alexander

Alexander Rodchenko nació en diciembre de 1891 en San Petersburgo.

Fue uno de los artistas constructivistas más importantes que surgieron tras la Revolución Rusa de 1917.

Antes de dedicarse a la fotografía Rodchenko se dedicó al dibujo y a la pintura claramente influenciada por el suprematismo.

Los orígenes de su carrera están muy ligados al arte pictórico. Dirigió la Oficina del Museo y el Fondo de compras del gobierno bolchevique en 1920. Desde ese año hasta 1930 dio clases en la Escuela Técnica Superior de Estudios Artísticos.

Fue pintor, escultor, artista gráfico y fotógrafo. Se convirtió tempranamente en uno de los líderes del arte de la vanguardia constructivista rusa. Realizaba fotomontajes en los que buscaba ofrecer, a partir de materiales fotográficos preexistentes, un equivalente visual de los versos del poeta Vladimir Mayakovski.

A partir de 1924 comenzó a tomar fotografías que se destacan por sus ángulos picados o contrapicados, los fuertes escorzos, el abundante uso de diagonales y la utilización de cámara oblicua. Según Rodchenko, una nueva forma de ver, incluso las cosas cotidianas, rompería con una forma de ver tradicional y posibilitaría una nueva toma de conciencia que reafirmaría la Revolución Socialista.

Sus imágenes fueron publicadas en numerosas revistas de la época. Destaca su cuidada composición diagonal en la que los detalles que puedan distraer al espectador no existen.

Su trabajo fue evolucionando poco a poco de la abstracción a la concreción. En los años 30 sus fotografías más reconocidas son de actividades deportivas o de desfiles militares.

Sus trabajos en diseño gráfico, cartelería y portadas de revistas son mundialmente reconocidos. Alexander Rodchenko llegó a marcar un estilo propio que lo identifica con el movimiento constructivista que se estaba viviendo en la época.

Retrato de Lilya Brik 1924

Retrato a Lilya Brik – 1924.

Los pasos 1929

Los pasos – 1929.

Escalera de incendio 1925

Escalera de incendio 1952.

Opinión personal: 

Este fotógrafo tiene un trabajo admirable y osado al retratar la revolución rusa.

Tiene gran sentido de la innovación, ya que no solo se dedica a fotografiar, sino que también mezcla el diseño haciendo carteles, mostrando lo amplio que es el aspecto de la fotografía. Además de utilizar técnicas diferentes, mostrando ángulos poco convencionales, ayudando así a una nueva visualización del mundo en el que se encontraba.

Cibergrafia: 

http://www.fotonostra.com/biografias/rodchenko.htm

http://www.la-imagen.com.ar/maestros-de-la-fotografia.html#3

http://sala17.wordpress.com/2010/02/19/alexander-rodchenko-1891-1956-da-fotografia-ao-design-grafico

Fecha de consulta:

10/08/2014.

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Jean Eugène Auguste Atget, fue uno de los más famosos fotógrafos franceses de finales del siglo XIX. Nació en Libourne, cerca de Burdeos, en 1857. A los 7 años sus padres murieron y fue criado por su tío. De joven tuvo diversas ocupaciones. Fue marinero y grumete en barcos de pesca e incluso estuvo dedicado a la actuación.

Eugène Atget se interesó desde muy joven por los trabajadores y sus problemáticas. Los pequeños comerciantes se estaban viendo afectados por la continua modernización y la proliferación de grandes tiendas. Quiso reflejar todas las problemáticas y pese a esto se dedicó a la fotografía de manera profesional.

Atget llego a París en 1890. Comenzó a realizar retratos como una manera de ganarse la vida a la que pronto le vio los beneficios. Sus fotografías en los alrededores de Montparnasse eran muy cotizadas entre los artistas de París. Publicitaba su trabajo como “documentos para artistas” porque para el sus fotografías, no se consideraban arte.

Eugène Atget realizó más de 10.000 instantáneas entre retratos y lugares de interés turístico en París. En la actualidad sus imágenes de la capital francesa son muy reconocidas y valoradas. Mostró a la perfección el viejo París, sus edificios antiguos, sus palacios y sus parques. Son numerosos sus retratos de vendedores ambulantes, traperos, feriantes o prostitutas.

Utilizaba una cámara de gran formato con una lente rectilínea de fuelle. Para la exposición utilizaba placas de vidrio y sus exposiciones eran muy prolongadas.

Atget fue un hombre muy excéntrico y malhumorado. Con 50 años renunció a comer cualquier cosa que no fuera pan, leche y azúcar. Estuvo en contacto con personalidades como Man Ray, Picasso o Berenice Abbott. Gracias a ellas el trabajo de Eugène Atget ha llegado hasta nuestros días y ha sido reconocido.

Su muerte en 1927 pasó desapercibida para la mayor parte de la gente de su época. 

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Opinión personal:

Me parece muy interesante la forma en que Atget plasma sus fotografías ya que éste busca comunicar lo que antes no se había comunicado con una cámara. Sus fotografías me parecen muy simples, pero éstas logran expresar una idea sobre el lugar fotografiado. También me parece muy bonito que se haya dedicado a tomarle fotos a el lado popular de Paris, en las cuales nos muestra una cara totalmente distinta de la que estamos acostumbrados a ver de la ciudad.

Fuentes:

 

Fecha de consulta: 00/00/2014

Gyula Halász,  Hungría (1920).

 

Gyula Halász, conocido por el seudónimo de “Brassaï,” nació en 1899 en Brassó, Hungría (Transilvania). Fue hijo de un profesor de literatura francesa lo que hizo que se sintiera muy atraído por París.

Llega a la fotografía de manera autodidacta, comienza estudiando bellas artes en Budapest (1918-1919) y Berlín (1920-1922) y muy temprano frecuenta los círculos formados en torno a Lázlo Moholy-Nagy, Vasili Kandinsky y Oscar Kokoschka.

En 1924 se trasladó a París como periodista y en 1925 entabló relaciones con Eugène Atget, quien se convertiría más tarde en una referencia constante. Primeramente trabaja como periodista, solicitando fotografías para acompañar sus artículos a fotógrafos como André Kertész. Hasta 1930 no se decide a realizar sus propias fotografías.

Gyula Halász se hizo conocer con el seudónimo de “Brassaï”, que significa “de Brassó”, su lugar de nacimiento. Se hizo famoso por sus imágenes de París. En los inicios su carrera era la de un modesto reportero gráfico que se hizo más conocido al publicar escenas de la vida nocturna parisina, “Paris de nuit”, en 1933.

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Open Gutter – 1933.

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Avenue del observatoire – 1934.

Algunos de sus trabajos más populares retrataban los cafés multitudinarios de la ciudad francesa. Entre 1936 y 1963, Brassaï ejerció como fotógrafo para la revista Harper’s Bazaar. Fue íntimo amigo de Picasso, del que publicó numerosas fotografías suyas mientras trabajaba. Su obra fue publicada en la revista Minotaure. Falleció en 1984.

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Obelisk and fountains in the Place de la concorde – 1933.

Sus primeras obras coinciden con el auge del surrealismo en Francia, movimiento que otorgaba un papel central a la fotografía en la creación literaria. La imagen fotográfica formaba parte del texto surrealista pues, además de ejercer la función de documento gráfico, propiciaba el desdoblamiento de la personalidad poética como sujeto y objeto simultáneamente.

A pesar de todas estas conexiones, conviene aclarar que las fotografías de Brassaï, junto con un componente claramente surrealista, tienen otro que se fundamenta en la tradición realista, y que por tanto, es ajeno a aquel movimiento artístico. Sin caer en la fotografía meramente documental, Brassaï obtenía imágenes evocadoras que condensaban la atmósfera de un momento o de una época, acercándose a la noción de lo “fantástico social” definida por Pierre Mac Orlan. Las fotografías de personajes del París nocturno, por ejemplo, se hallan en esta línea: son imágenes descritas mediante recursos poéticos. Por eso podemos decir que Brassaï no es un reportero gráfico, sino un poeta con una cámara.

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Tarokk kartya kristaly gomb – 1933.

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Prostitute – 1933.

Yo opino que su lenguaje nocturno le da un toque especial a sus fotografías volviéndolas más atractivas a la vista, de pronto desde el punto de vista macabro o lado oscuro de las cosas, me parece que al darle clasificación a sus obras como obras poéticas con instrumentos me parece genial, ya que el blanco y negro interpreta muy bien el silencio y a la vez muchas cosas más las cuales son inexplicables.

Fuentes:

http://www.nuncalosabre.com/2013/08/brassai-el-fotografo-de-la-noche.html

http://www.fotonostra.com/biografias/brassai.html

http://www.ecured.com/index.php/Brassai

Fecha de consulta: 11/082014.

Publicado por: Juan Pablo Cataño H.

Duane

Duane Michals nace el día 18 de febrero de 1932 en el seno de una familia de la clase obrera, su padre era un trabajador del metal en McKeesport, estado de Pensilvania. Michals se interesó en el arte con la adolescencia y se apuntó a clases de acuarela en el instituto Carnegie de Pittsburgh. Estudió Bellas artes en la universidad de Denver para iniciar después un curso de postgrado en la escuela de diseño Parsons, en Nueva York, aunque abandonó los estudios de diseñador gráfico antes de finalizarlos. Comenzó a fotografiar en los 50, añadió texto a sus imágenes a los 60 y, a finales de esa misma década, comenzó a trabajar en secuencia.

En 1958 viajó a la Unión Soviética y con una cámara prestada retrató a las personas que se encontraba. Con estas  imágenes organizó su primera exposición en la Underground Gallery de Nueva York. A partir de entonces se dedicó de lleno a la fotografía, hasta el punto de ser considerado uno de los artistas más importantes del siglo XX. Duane ha realizado portadas para la revista Life, desplegables de moda para Vogue, reportajes anuales para el New York Times, hasta campañas de publicidad para Gap y Microsoft. Incluso se aventuró en la fotografía y diseño la portada del album Synchronicity de The Police.

Su realidad está formada por apariencias y experiencias asociadas a sus sentimientos. Trabaja con lo invisible, elementos abstractos como el sueño, la muerte o el deseo. Parte del recuerdo para encontrar nuevas formas de expresión, a la par que juega con memoria y tiempo. El espectador debe hacer uso de su imaginación para rellenar los espacios vacíos de información siempre presentes en sus imágenes, y al completar la historia que Michals narra alcanzamos el Punctum definido por Barthres (cuando una foto es capaz de marcar al espectador por su propia experiencia). Sus obras parten de la idea, se preocupa por lo artístico dejando de lado lo técnico y destaca el papel de emociones y sueños. Por esta razón su trabajo ha sido considerado un ejemplo de fotografía conceptual. Influenciado por artistas de la talla de Magritte y Balthus, Michals incluyó textos filosóficos a sus imágenes que reflexionan sobre la muerte, el sexo y la fe entre otros temas. A lo largo de su obra ha experimentado con exposición múltiple y ha incluido dibujos y textos a sus imágenes.

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ESTA FOTOGRAFÍA ES MI PRUEBA, 1975

Esta fotografía es mi prueba. Existió aquella tarde, cuando las cosas aún iban bien entre nosotros, y ella me abrazaba, y éramos tan felices. Ocurrió realmente, ella me amó, ¡Mira, ve por tí mismo!

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CONSTRUYO UNA PIRÁMIDE 1978

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VISIT WITH MAGRITTE 1965

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ANDY WARHOL 1972

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ALICE MIRROR 1974

Por mi parte, basada en varias fotografías que pude observar de Duane Michals, más algunas de sus apreciaciones, puedo mencionar que es un fotógrafo especial y único, ya que hay algo diferente en la forma como toma las escenas, puesto que éstas permiten apreciar una esencia muy real pero a la vez con cierto misterio. Es un fotógrafo que se sale un poco de la línea ya que añade otras técnicas para hacer sus fotografías. Algo curioso de Duane es que empezó a añadirle textos a sus creaciones, lo que le da un valor agregado a la imagen y a lo que dice, crea cierta conexión con los sentimientos que producen, y se vuelven parte de su estilo personal.

Respecto a sus imágenes en secuencia, éstas representan historias que van más allá, no son cerradas, ya que le permiten a uno como espectador realizar sus propias reflexiones de lo que puede continuar o de lo que  realmente significan desde un punto más personal, creo en esta parte, que los sentimientos que se llegan a percibir con ciertas fotografías de conceptos abiertos es que depende mucho de la situación o del momento de la vida que esté enfrentado dicha persona, una fotografía puede aumentar esas emociones y lograr que alguien sienta algo por solo observar una imagen ha sido el objetivo de este especial fotógrafo.

Fuentes de consulta:

https://4shooters.files.wordpress.com/2014/08/9b53c-duanemichals.jpg

http://diapo35mm.blogspot.com/2012/01/grandes-fotografos-de-la-historia_16.html

http://trapecistasinred.wordpress.com/2009/04/16/duane-michals/

Fecha: 00/00/2014

Yousuf Karsh, París 1950

Yousuf Karsh, París 1950.

… cuando los famosos comienzan a pensar en la inmortalidad, llaman a Karsh de Ottawa.

Fue un fotógrafo canadiense de origen armenio nacido el 23 de diciembre en 1908.

Su talento como fotógrafo fue fortalecido por su tío, también fotógrafo, con quien vivía en Canadá luego de exiliarse de Armenia debido a la persecución que sufría su pueblo. Así comenzó a trabajar como aprendiz con John Garo. Pero su verdadera profesión y pasión comenzó cuando abrió su propio estudio en Ottawa, donde el primer ministro canadiense, Mackenzie King, lo introduce en el mundo del retrato de figuras políticas llegando entonces, en 1941, a fotografiar a Winston Churchill; siendo éste uno de los retratos más conocidos de la historia.

Su característica más destacada es la capacidad que tenía para representar en las fotografías no solo la imagen física de la persona sino además su esencia y reflejar la personalidad de los famosos; además de un excelente manejo de las luces y sombras, con las cuales se ayudaba para realzar especialmente las manos, pues quería remarcar la idea de que las manos reflejan la vida que llevamos.

La calidad de sus fotografías lo ubicó como el fotógrafo favorito de las estrellas, como fue dicho por George Perry en el Sunday Times “cuando los famosos comienzan a pensar en la inmortalidad, llaman a Karsh de Ottawa“.

Durante toda su carrera realizó más de 17.000 negativos dedicados exclusivamente al retrato de personajes famosos.

Grey Owl (Archibald Belaney), 1936

Grey Owl (Archibald Belaney), 1936.

Ernest Hemingway, 1957

Ernest Hemingway, 1957.

Stanley Park, 1952. Vancouver

Stanley Park, 1952. Vancouver.

“El carácter, como la fotografía, se revela en la oscuridad”

– Yousuf Karsh

 

Opinión personal: la verdadera cualidad de la fotografía es la capacidad de mantener vivo aquello que está destinado a perderse en el tiempo; Yousuf Karsh lo logra más allá de la mera imagen física, logrando combinar lo tangible e intangible mediante la luz, mediante aquello que puede evocar en nuestros pensamientos, El verdadero arte está entonces no solo en aquello que podemos percibir visualmente sino en todo lo que escapa a nuestras palabras, lo que mueve los sentidos. Yousuf Karsh es sin duda un maestro del arte de conservar y preservar la esencia de la persona, haciendo que dure más allá del paso de los años y la memoria.

Fuentes de consulta: 

Yousuf KarshXatakafoto, Photography Magazine, Clases de Periodismo.

Referencias imágenes: Stanley Park, Ernest HemingwayGrey Owl.

Fecha de consulta: 13/08/2014

Publicado por: Natalí Tabares Ramírez.

Nació el 20 de Julio de 1895 en Bácsborsód, Hungría y murió el 24 de Noviembre de 1946, en Chicago, Estados Unidos.

Fue abandonado por su padre cuando era un niño. Su madre, sus hermanos, Ákos y Jeno, y él vivieron con su tío en Serbia. Estudió los últimos años de colegio en Szeged, Hungría y allí se publicaron sus primeros poemas. Estudió leyes en la Universidad de Budapest, pero nunca terminó la carrera. Luego, hizo parte del ejército Austrohúngaro y durante este tiempo él documento su experiencia en la guerra con dibujos de acuarela y crayola. Fue herido en la guerra y luego de su recuperación publicó poemas e historias cortas en la revista local.

Abandona la universidad para convertirse en un artista. Participa en múltiples exhibiciones de arte, publica libros, artículos acerca del arte y de la fotografía. Empieza a ser muy reconocido en el mundo artístico.

En 1921, crea su primer collage de fotografías incluyendo Glasarchitektur-Bilder (Fotografías de arquitectura de vidrio) y hace su primera exhibición en Berlín. Se casa con Lucia Schulz y se separa 8 años después.

Realiza exposiciones de su arte en museos importantes mundialmente con sus pinturas, sus fotografías y sus esculturas de metal, vidrio y madera.

En cuanto a la fotografía, empieza a hacer fotogramas, por lo cual es muy reconocido. En los años 20 hace publicaciones de fotografía y tipografía, acerca de la composición de la luz. Crea una técnica de collage llamada “Fotoplástica” la cual busca una forma de expresión novedosa, permitiendo introducir nuevos conceptos y alejarse de la imitación. Continúa con sus fotogramas, realizados en un cuarto oscuro y con luz controlada. Estudia los procesos fotográficos de color. Se enfoca también en la fotografía para la publicidad.

Su interés por la fotografía era desde la perspectiva del diseño. De sus obras fotográficas se destacan sus tomas a ojo de pájaro (puntos de toma altos). Aplicó creativamente técnicas como la doble exposición, el montaje, el fotograma, distorsiones e imágenes negativas.  Experimentó con la tipografía, la cual es una combinación de la imagen con el texto, un punto común con la publicidad para llegar al consumidor con un fin específico.

Escribió “Los libros de Bauhaus” que contienen 8 volúmenes, y el último volumen es considerado uno de los pilares de la fotografía “Pintura, Fotografía, Film”, donde se establece una relación entre el arte y la fotografía. Él clasificaba la pintura como un medio para dar forma al color, mientras que la fotografía servía de instrumento de investigación y la exposición del fenómeno luz.

Finalmente, muere de leucemia en Chicago a los 51 años de edad.

Actualmente, es reconocido como uno de los más importantes profesores y teóricos del arte y de la fotografía desde su trabajo en la Escuela de la Bauhaus en Alemania. También fue considerado como el maestro del arte de la luz.

Eifersucht

Jealousy, 1927.

Collage con elementos extraídos de fotografía /foto-mecánica y elementos dibujados.

The double portrait, 1923.

Siesta - Laszlo Moholy-Nagy

Siesta, 1926.

László Moholy-Nagy, fotograma, 1939. Eastman House Museum of Photography & Film, Rochester, Nueva York.

Fotograma, 1939.

Mi opinión:  

Él creía que la fotografía podía crear una forma de ver el mundo, viendo cosas que el ojo humano no puede ver,  y yo pienso que a través de sus obras se refleja el artista que en realidad es. Él creó un trabajo que pocos lograron o lograrán hacer durante su vida, usando la escritura, el arte y la fotografía para crear cosas nuevas e innovadoras que reflejen lo que es un verdadero artista. Su pensamiento con respecto a la imagen fotográfica está resumido en una frase que dijo en 1928: “Los analfabetos del futuro no serán aquellos que ignoren la escritura, sino los que ignoren la fotografía”. Y pienso que lo que quiere decir es que la fotografía sí es una forma de ver el mundo, y si te cierras a la posibilidad de conocerlo, te perderás de conocimiento que no podrás ni leer en un libro. Él fue un gran maestro y abrió muchas puertas a artistas y a fotógrafos permitiendo así que vieran que todo no es como se dice, y que el sentido de las cosas se encuentra a partir de nuestros pensamientos y conocimientos.

Fuentes:

http://moholy-nagy.org/ 

http://www.fundaciotapies.org/site/spip.php?rubrique216 

http://tallerescuelalaimagen.wordpress.com/2013/04/26/nueva-objetividad-el-dada-y-la-bauhaus-parte-2/ 

Fecha de consulta: 00/00/2014.

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Imogen Cunningham nació en Portland, Oregón el 12 de abril de 1883 Su padre, Isaac Quemaduras Cunningham, la nombró Imogen luego de la heroína de Cymberline de Shakespeare. Él la animó a leer antes de entrar en la escuela y pagó por clases de arte todos los veranos.

Imogen Cunningham creció en Seattle, Washington y asistió a la Universidad de Washington en Seattle, luego de una especialización en química, fue aconsejada por su profesor que debía tener una base científica, si quería ser fotógrafa. Para pagar sus gastos trabajó como secretaria para su profesor de química e hizo diapositivas para los botánicos. La tesis de Imogen Cunningham cuando se graduó de la Universidad de Washington en la especialidad de química fue titulada “Procesos modernos de Fotografía”. Durante esta época fue inspirada por la fotógrafa pictorialista conocida internacionalmente, Gertrude Käsebier.

Imogen compró por correspondencia su primera cámara en 1906 (con la que realizó un autorretrato donde aparece desnuda (atraída por la fotografía de este tipo) en el campus de la Universidad de Seattle donde estudiaba química con el fin de avanzar en la fotografía. Tiene 23 años, está tumbada, desnuda y, evidentemente, ocasionó un pequeño escándalo).

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Después de su graduación, Imogen trabajó en el estudio de retrato de Seattle de Edward S. Curtis, el fotógrafo que produjo los veinte volúmenes de “El indio norteamericano.” Aquí ella aprendió las técnicas de impresión de platino y a retocar negativos. En 1909 la hermandad de mujeres de la universidad de Imogen, Pi Beta Phi, le otorgó una beca para estudiar química fotográfica en la escuela superior Dresden, donde realizó un estudio comparativo entre los distintos métodos de la platinotipia. Su tesis, publicada en Alemania, “Uber Selbstherstellung von Platinpapieren für braune Tone,” se traduce en “Sobre Auto-Producción de Papel Platino de tono marrón.” En este trabajo se instó al uso de papel recubierto a mano para copias de platino, tanto más conveniente y fácil de manejar que el papel comercial.

Al regresar de Alemania, Imogen abrió un estudio de retrato en Seattle y obtiene rápidamente reconocimiento por sus retratos y su trabajo pictorialista. Allí, ella fue la única fotógrafa miembro fundadora de la Sociedad de Artistas de Seattle. Imogen Cunningham expuso con frecuencia en Seattle, a menudo fotografías de enfoque blandos de cuadros románticos que ella y sus amigos realizaron. Imogen Cunningham publicó “La fotografía como una profesión para las Mujeres”, un artículo instando a las mujeres a emprender carreras en las profesiones, no superar a los hombres, sino para tratar de hacer algo por sí mismas. 

Imogen hizo su primera fotografía de doble exposición, una fotografía de su madre trabajadora con una corona de cucharas de plata.

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Durante los años de guerra vendió su casa en Oakland y usó el estudio y el cuarto oscuro de un amigo en San Francisco, para preparar un estudio permanente en San Francisco. Estableció un estudio en su casa en Green Street en San Francisco. Durante los siguientes trece años, su obra fue exhibida en todo el país y continuó su trabajo de fotografía de calle cuando ella no estaba haciendo retratos. Imogen enseñó de forma intermitente en la Escuela de Bellas Artes de California en San Francisco. El Museo Internacional de Fotografía, en la George Eastman House en Rochester, Nueva York, compró una importante colección retrospectiva de su obra. Imogen utilizó el dinero para viajar y fotografiar, tanto en la Europa Occidental y Oriental. Experimentó con película Polaroid. La Biblioteca del Congreso compró una colección de su obra y el editor fotográfico, Aperture, publicó una monografía de su trabajo.

En su fotografía más comercial, trabajó para Vanity Fair durante los años 30 así como en varios rodajes de Hollywood donde fotografió a muchos de los actores del momento como Spencer Tracy, Frida Kahlo, Martha Graham o Cary Grant. También viajó a Nueva York donde aparte de conocer a Alfred Stieglitz, tomó una serie de instantáneas robadas en Manhattan. Y en 1956, cuando tenía nada más y nada menos que 73 años, el MOMA le dedicó una exposición que la puso de nuevo en el candelero fotográfico.

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Imogen Cunningham fue elegida miembro de la Academia Nacional de las Artes y las Ciencias. Recibió un título honorario de Doctor en Bellas Artes por la Universidad de California de las Artes y Oficios, de Oakland. Fue galardonada con una beca Guggenheim para imprimir desde sus primeros negativos. La University of Washington Press publicó su primer libro, “Imogen Cunningham: Photographs”, una gran exposición se llevó a cabo en la Galería Witkin en la ciudad de Nueva York. La Institución Smithsonian adquirió una importante colección de su trabajo. 

Imogen falleció el 23 de junio de 1976, a la edad de 93 años.

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Desde mi perspectiva Imogen fue una fotografía innovadora, no sólo por ser una de las primeras mujeres dedicadas a la fotografía profesionalmente, sino por sus constantes estudios tanto en forma como en fondo de la fotografía como disciplina, sus publicaciones contribuyeron en la teoría de la disciplina y sus trabajos prácticos dieron paso a nuevas técnicas y formas de trabajar los sustratos de revelado.

Fue irreverente y atrevida para su época, permitiendo marcar un estilo y un modelo a seguir en fotógrafos posteriores que han tomado su trabajo como referencia.

A continuación dejo un video con algunos de sus trabajos fotográficos: 

https://www.youtube.com/watch?v=VkFPuiFZ7vE#t=144

Fuentes:

http://www.imogencunningham.com/page.php?page=about

Lunes 11 de agosto de 2014.

http://trucos-fotografia.com/exposiciones-fotograficas/imogen-cunningham-llego-a-madrid/

Lunes 11 de agosto de 2014.

http://www.encajabaja.com/2013/01/imogen-cunningham.html

Lunes 11 de agosto de 2014.

http://www.xatakafoto.com/fotografos/imogen-cunningham-la-belleza-de-las-sombras

Lunes 11 de agosto de 2014.

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Nacido el 13 de Agosto de 1952 en la ciudad de los Ángeles se graduó de economía en el Bard Collage en 1974.

Ritts comenzó su carrera fotográfica a finales de los 70 y ganó una reputación como un maestro del arte y de la fotografía comercial. Realizó retratos para revistas como Vogue, Vanity Fair, Interview y Rolling Stone y también creó campañas publicitarias para Calvin Klein, Chanel, Donna Karan, Gap, Gianfranco Ferré, Gianni Versace, Giorgio Armani, Levi, Pirelli, Polo Ralph Lauren, Valentino, entre otros. Realizaba retratos de celebridades y de modelos de moda.

En 1984 comienza su colaboración con Madonna durante el rodaje de Buscando a Susan desesperadamente. En 1986 sería el responsable de las fotos de portada del álbum de Madonna, True Blue. Aconsejado por Madonna se introduce en el mundo de los vídeos musicales, debutando con el vídeo de la canción Cherish de la propia Madonna.

Su fotografía artística ha sido objeto de exposiciones en todo el mundo, con obras que residen en numerosas colecciones públicas y privadas importantes. En su vida y obra, Herb Ritts se señaló a limpiar las líneas y las formas fuertes. A menudo desafiaron las nociones convencionales de género o raza. La historia social y la fantasía fueron ambos capturados y creado por sus fotografías memorables de las personas señaladas en el cine, la moda, la música, la política y la sociedad. 

Ritts se comprometió con las labores sociales apoyando a más de 15 fundaciones y siendo un vocero de la lucha contra el VIH/Sida; murió en 26 de Diciembre 2002 por la complicación de una neumonía, se presumía que era portador de VIH.

La fundación de Ritts: Los fines benéficos de la Fundación Herb Ritts se centran en dos objetivos principales. En primer lugar, continúa el apoyo de larga data de la investigación del VIH / SIDA. La Fundación es un instrumento para ayudar a las organizaciones de los fondos que proporcionan asistencia y atención a las personas con VIH y SIDA. Es igualmente importante para la Fundación para generar conciencia del SIDA y su impacto devastador en todos los continentes, con un énfasis en cómo todos podemos contribuir a encontrar una cura para esta enfermedad. El segundo objetivo de la Fundación es apoyar a la gran pasión de la fotografía y otras formas de arte. Ofrece asistencia a las instituciones con programas de educación que promuevan el arte de la fotografía. Con el gran éxito de la exposición “Trabajo” en el Museo de Bellas Artes de Boston, Herb a tenido un sentido esencial en disponer de los fondos de la Fundación a futuras exposiciones de los museos de la fotografía y otras artes visuales. Además de la labor caritativa de la Fundación, es responsable para mantener el legado de Ritts, organizando exposiciones de su obra, la edición de libros y catálogos, preservar el archivo de impresiones Ediciones y mantener la integridad de las ediciones establecidos durante su vida. Los ingresos netos de las ventas del trabajo Herb Ritts se está utilizando para apoyar y asegurar las directivas de la Fundación y sus futuras contribuciones.

http://www.herbritts.com/

His Holiness The Dalai Lama, New York, 1987.

Loriki with Spear, Africa, 1993.

Mask, Hollywood, 1989.

Pocos fotógrafos pueden tener la oportunidad de tener un trabajo basado en los famosos de Hollywood, fotografiarlos para revistas o portadas de álbumes es algo increíble, pero ser un fotógrafo al que ellos acudan es un logro; él fue a mi parecer el creador de las campañas en las que las imágenes del cuerpo humano en todo esplendor son los protagonistas; en las que se explota la sensualidad del ser y se lleva a las imágenes donde se muestra la piel sin vulgaridad, con erotismo, con belleza.

También cabe resaltar sus fotografías de África donde se ve más que una persona toda una comunidad orgullosa de su historia, de su fuerza, mostrando en imágenes la triste historia de África y la belleza de las culturas africanas.

Respecto a sus desnudos se ve la belleza de las siluetas femeninas y masculinas y cómo éstas pueden mostrarse más allá que la falta de ropa y el deseo sexual.

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