Archivos para el mes de: enero, 2016

Franco Pinna

(Archipiélago de la Magdalena, Cardena, Italia, 29 de julio de 1925 – Roma, 2 de abril de 1978).

Protagonista de absoluta importancia en la fotografía italiana, fue el primer reportero gráfico. En 1952 inició su colaboración con Ernesto De Martino, documentando las investigaciones realizadas por éste en el sur de Italia.

Después de la militancia en la resistencia romana y la participación como director de fotografía en el documental Canción del Verano, Comienza la creación de la profesión, junto con otros colegas de la cooperativa Fotógrafos Associates. La práctica del fotoperiodismo se concibe en paralelo a un activismo político intenso, en el que se destaca como un activista del Partido Comunista Italiano. En 1952 en Roma se reanuda, con Tazio Secchiaroli, los niveles de la policía durante una manifestación contra la OTAN, con los métodos blitzphotographie que más tarde se recoge con un propósito completamente diferente, llamado “paparazzismo”.

Pinna trabajó con revistas ilustradas como País de la tarde, Somos Mujeres, El Mundo y RadioCorriereTV. En los años sesenta y setenta son L’Espresso y Panorama revistas para las que trabajó con mayor frecuencia, sin embargo, creó numerosos informes de importantes publicaciones extranjeras como la vida, la popa, The Sunday Times, Vogue, Paris Match. En 1959 publicó su primer libro de fotos, La Sila. A causa de la película Julieta de los espíritus (1965), se convierte en fotógrafo de Federico Fellini, con quien había seguido el rodaje de la carretera. Para sellar la relación, la salida en 1977, el libro de fotos Filme de Fellini, con la mayoría de las imágenes de Pinna, Se logró un considerable éxito internacional.

Franco Pinna murió repentinamente el 02 de abril de 1978. Fellini fue el primero en visitar su cuerpo.

Importancia de su trabajo

Este hombre fue pionero y creador del fotoperiodismo o del término reportero gráfico. En realidad Fin jugó con el fotoperiodismo en una relación integral con la vida, las investigaciones han logrado poner de manifiesto nuevos aspectos sobre las influencias culturales y los intereses técnicos de Pinna, como la especialización temprana en el color, en la forma de fotodocumentario y el uso de formatos especiales, como panorámica, para lo cual se revela como probablemente el mayor especialista nacional.

Fotografías

 

 

Franco Pinna. Preparativos para los desfiles de Mila son, Forquet Y barocco, gran hotel de Roma, 1960. Imagen tomada de http://www.stsenzatitolo.it/category/tags/fotografie?page=23

 

 

Franco Pinna. Rocco Barocco en su estudio con el señor Gilles, 1960. Imagen tomada de http://www.stsenzatitolo.it/content/franco-pinna-fotografa-rocco-barocco-nel-suo-atelier-con-monsieur-gilles

 

Reflexión

El fotoperiodismo no es solo una actividad como lo que ahora conocemos como el “paparazzismo”, es una forma de documentar o captar los eventos de la forma más real posible conservando la esencia de los hechos, dando así un informe veraz de la historia y los acontecimientos sociales, convirtiendo a la fotografía en un testigo más de un hecho y gracias a Franco Pinna en la actualidad se puede gozar de este beneficio, a todos nos gusta conocer la verdad.

Cibergrafia

http://www.biografiasyvidas.com/biografia/p/pinna.htm

http://www.archiviosonoro.org/basilicata/archivio-sonoro-della-basilicata/fondo-pinna

http://users.libero.it/artware/MostraFP/fpiniziomostra2.htm

Autores

Juliana Mariaca Jaramillo

Santiago Orozco

Grupo 04

31 de enero, 2016.

Anuncios

alfred stieglitz

(1864, New Jersey- 1946, New York)

Entendía la fotografía como una nueva forma de arte y dedicó su vida y su carrera a demostrarlo. emigró a Alemania con su familia en 1881. Allí comienza a estudiar ingeniería aunque pronto se interesa por la fotografía.

Stieglitz encuentra en la fotografía un modo de expresar sus inquietudes artísticas y comienza a trabajar con ella. En seguida comenzó a publicar artículos y a recibir premios.

En 1890 Alfred Stieglitz vuelve a Estados Unidos donde montó su primer estudio de fotografía con la ayuda familiar. Escribía regularmente para la revista “The American Amateur Photographer” con la se ganaba la vida.

Tuvo una vida social muy activa y promulgó la difusión de los clubes de fotografías de Nueva York.

Fundó en 1896 el “Camera Club” que tuvo gran importancia en la vida cultural y artística de la ciudad. Stieglitz abandonó todas sus ocupaciones para dedicarse únicamente y en exclusiva a la asociación fotográfica. La publicación del club llegó a considerarse la mejor revista de fotografía del mundo. Su nombre era “Camera work”.

En 1902 creó el grupo llamado Photo- Secession, donde solo podían asistir personajes muy famosos del mundo de la imagen. el club tenía su propia galería de arte en la quinta avenida de Ny, donde incluso fueron publicadas obras de Picasso, de Matisse o Cezzane.

Stieglitz se casó con Georgia O’Keeffe a quien retrató en numerosas ocasiones.

Muere en New York en 1946 a los 82 años.

IMÁGENES DESTACADAS:

1366_2000

“The steerage”, Alfred Stieglitz, 1907.

 

Photographer Alfred Stieglitz and painter Georgia O'Keeffe wrote each other more than 5,000 love letters over the course of their romantic relationship. In Stieglitz’s portraits of O'Keeffe, we are offered a glimpse into the intimate love shared by two great artists. Here are a few of Stieglitz’s photos in which O'Keeffe is both his model and muse. If the relationship between O'Keeffe and Stieglitz  interests you, come check out tomorrow's Free Tuesday program at noon, which dives right into the couple’s love letters. <3

“Retrato de Georgia O’Keeffe”, Alfred Stieglitz, 1917.

Hizo más de 300 retratos sobre ella entre 1917 y 1937.

the city of ambition

“The City of ambition” Alfred Stieglitz, 1910.

Cibergrafía: 

http://www.fotonostra.com/biografias/stieglitz.htm 

http://whitney.org/WatchAndListen/AudioGuides?play_id=193

http://www.xatakafoto.com/fotografos/alfred-stieglitz-el-legado-del-maestro-que-hizo-de-la-fotografia-el-arte-que-es-hoy

http://elliotulloa.blogspot.com.co/2014/10/alfred-stieglitz.html

Integrantes: Mariana Ospina y Juan José Caicedo.

Fotografía Básica 2016-1 / Grupo 04.

 

 

 

 

Leo Matiz Espinoza (Aracataca, 1 de abril de 1917 – Bogotá, 24 de octubre de 1998) fue uno de los más destacados fotógrafos y caricaturistas colombianos con reconocimiento internacional. Vivió no sólo en su propio país, sino también en México en donde se relacionó con notables artistas aztecas, en Estados Unidos en donde trabajó para algunos medios como “Life” y “Reader’s Digest” y en Venezuela como fotógrafo del Palacio de Miraflores. Entre sus obras se registran notables personajes y eventos como El Bogotazo (1948) durante el cual resultó herido. Una de sus obras fotográficas, Pavo real del mar, es considerada una de las mejores fotografías de Colombia y fue admirada en Japón y Estados Unidos. En 1949 fue elegido como uno de los diez mejores fotógrafos del mundo.

https://es.wikipedia.org/wiki/Leo_Matiz_Espinoza 

Obras de Leo Matiz

leo1

Pavo real del mar Santa Marta, Colombia.

Leo Matiz

(https://4shooters.files.wordpress.com/2016/01/2442a-1374590355485.jpg)

leo2

Las Flores de Frida Kahlo, Francia.

Leo Matiz

http://www.leomatiz.org/wp-content/uploads/2011/06/FRK_P_015.jpg 

leo3

Segmento de Los rostros de América (Celia Cruz).

Leo Matiz

(http://www.leomatiz.org/wp-content/uploads/2011/06/rostros5.jpg)

¿Por qué es importante el trabajo de Leo Matiz?

En Leo Matiz encontramos la primera figura internacional de la fotografía colombiana, un pionero del oficio, por fuera de las fronteras del país.

Algo que lo hace importante son sus fotografías de la obra Macondo, que son las que principalmente le dieron su fama. El libro Macondo visto por Leo Matiz, Bogotá, 2009, publicado por el Ministerio de Relaciones Exteriores de Colombia, se realizó como complemento a la exposición itinerante Macondo visto por Leo Matiz, la cual reúne cincuenta imágenes que sintetizan la visión del fotógrafo colombiano Leo Matiz sobre el trópico y el área cultural del Caribe colombiano. Una de las últimas aventuras editoriales de la Fundación Leo Matiz ha sido la publicación del libro realizado en Italia -“El México de Leo Matiz”, México, 2009, que reúne imágenes inolvidables de la vida urbana y cultural de la capital mexicana en los años cuarenta. el trabajo gráfico de Matiz en México se destacó por el dominio de los recursos técnicos y el enfoque estético, “sin duda producto de su formación como dibujante y sobretodo como caricaturista; ya que la mirada analítica que exige la caricatura coadyuvó después a que en el enfoque del fotógrafo, el encuadre fuese más preciso”, señaló el autor.

http://www.leomatiz.org/la-fundacion/

Aparte de lo ya dicho pensamos que su trabajo es importante porque le dio a conocer al mundo, muchos negativos cuyas imágenes eran impactantes y hermosas, además de ser un gran representante de la fotografía en Colombia.

Reflexión sobre el trabajo de Leo Matiz

Según lo ya leído y visto sobre el asombroso trabajo de este magnífico fotógrafo colombiano, pensamos que él ha tenido un excelente ojo para que sus fotos sean tomadas en el segundo y momento exactos, que no solo le ha dado importancia a su país a nivel internacional o a él mismo, sino a un montón de lugares y ha demostrado que el colombiano también es buen fotógrafo.

Ya lo que nos disgusta un poco de su trabajo es que las fotos no sean a color, pero por su lado la época no le favoreció para una cámara así, de cualquier forma resaltó que hay algunas fotos de famosos y de lugares espectaculares tal y como son.

Elaborado por: Juan Pablo Valderrama Ruiz, Iván Dario Valderruten.

Grupo 04.

Nereo

Nereo López, Fotógrafo Inmortal

(Cartagena, 1 de septiembre de 1920 – Ciudad de Nueva York, 25 de agosto de 2015).

Estudio fotografía en un instituto de Nueva York. Se especializó en fotografía infantil, sin embargo, se dedicó a ser reportero gráfico. Testigo privilegiado de la historia de Colombia y del mundo en el siglo XX y comienzo del siglo XXI, sus cámaras han captado imágenes de Europa, desde el Peñón de Gibraltar hasta Moscú y Leningrado en la Unión Soviética. Un fotógrafo viajero, cronista y cartógrafo que se dedicaba a “contar historias” mediante sus fotos, practicante de la poesía visual y el foto ensayo. Desde el inicio supo hacia dónde dirigirse, realizando viajes poco comunes y visitando lugares desconocidos con el objetivo de “abrirle los ojos” a Colombia. La cámara de Nereo, su sensibilidad y asombro han armado una historia visual de paisajes y gentes.

“¡Algunas de mis fotos tenían alma…! sentía que con los elementos de sus contenidos había encontrado otros que al igual que las palabras en la escritura, me permitían una forma nueva de expresarme, de decir cosas…, ¡de gritar!….”  – Nereo López.

Miembro del Grupo de Barranquilla (nombre con que se conoce a la tertulia intelectual que integraron, entre 1940 y fines de los años 1950, varias de las personalidades más destacadas de la cultura de Barranquilla, Colombia), López era considerado uno de los decanos de la fotografía nacional.

Actualmente son cerca de 100 mil imágenes del Fondo Nereo las que custodia la Biblioteca Nacional de Colombia.

También es importante porque su trabajo fue publicado en grandes medios como Cromos, El Espectador, EL TIEMPO y hasta en el O Cruzeiro, de Brasil.

“El maestro López tuvo una importancia también para el cine nacional, trabajando como productor y también en el desarrollo de foto fija, e incluso actuó.” – Periódico El Tiempo

El fotógrafo también tuvo múltiples exposiciones, no sólo en Colombia, sino también en México, España, Rusia y en el consulado colombiano de Nueva York.

“En sus libros recorría varias temáticas que López había congelado en su lente: las cárceles, el río Magdalena, los carnavales de Barranquilla y Río, y La Guajira, entre otras.”

PREMIOS Y HECHOS DESTACADOS

1964 – Un primer premio en el Concurso Mundial de Fotografía organizado por Kodak para la Feria Mundial de Nueva York de ese mismo año.

1967 – Un segundo premio en el Concurso de Documentales para T.V. Española con el documental “La Corraleja”, producido en colaboración con Julio Luzardo.

1968 – Seleccionado como el único fotógrafo colombiano que debía viajar en el vuelo Papal, Roma – Bogotá – Roma, durante la visita de su Santidad Paulo VI a Colombia.

1977 – Mención en la Exposición Internacional de Euro-Picamera.

1978 – Nueva mención en la Exposición de Euro-Picara.

1980 – Miembro del jurado internacional para el Concurso Mundial de Fotografías 1nterpress/79 con sede en Holanda.

1982 – Nombrado por Colcultura como fotógrafo oficial para el cubrimiento en Estocolmo de las actividades de la delegación colombiana a la entrega del Premio Nobel al escritor Gabriel García Márquez.

nereo-lopez

Funeral en Soacha, 1958.

nereo-lopez-carnaval

Carnaval de Barranquilla, 1958.

IMAGEN-16285277-2

Nobel Gabriel García Márquez – Estocolmo, Suecia 1982.

nereo-lopez-guajira

La Guajira, 1960.

 

Opinión

Fue sin dudarlo un fotógrafo brillante, lo más interesante de él es que no tomaba fotos que no tuvieran una historia para contar, siempre se encargó de que sus fotografías hablaran como si fuera una poesía, siempre tuvo en mente lo que quería mostrar en estas, sus conocimientos y la forma en la que los aplicó a sus fotografías le permitieron a él mostrarle a Colombia lo que el país no conocía…

“No entiendo cómo se hace fotografía si no se dice algo con una fotografía” -Nereo López.

Cibergrafía

http://www.elnuevodia.com.co/nuevodia/sociales/cultural/268401-fallecio-a-los-95-anos-el-legendario-fotografo-nereo-lopez meza

http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=7131

Nereo López: Un gran fotógrafo colombiano

http://www.eltiempo.com/multimedia/fotos/cultyentrete9/murio-nereo-lopez-fotografo-colombiano/16285575

Autores:

Iván Felipe Salazar Berrio

Daniel Mejía Valencia

Fecha: 30/01/2016

Grupo 04.

 

Es una fotógrafa estadounidense. Fue la primera mujer en exponer su obra en la Galería Nacional de Retratos de Washington D. C. y la última en retratar al músico John Lennon, antes de que este fuera asesinado en 1980.

Annie Leibovitz-SF-1-Crop.jpg

Es la fotógrafa mejor pagada del mundo y ha trabajado para revistas como Vanity Fair, Rolling Stone y Vogue. En 1984 fue galardonada por la Asociación Estadounidense de Editores de Revistas como Fotógrafa del año. En 1988 recibió el premio Cliopor la campaña publicitaria de American Express. En abril del 2000, la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos le dio el título de «Leyenda viviente». En el 2005, la revista American Photo la nombró la fotógrafa más influyente de nuestros tiempos. En mayo de 2013 fue galardonada con el Premio Príncipe de Asturias de Comunicación y Humanidades.

Aunque es conocida principalmente por sus retratos de celebridades, Leibovitz ha practicado la fotografía documental y de paisajes, contratada por la editorial Condé Nast Publicationsdesde 1993. Sus imágenes son representadas, desde 1977, por la agencia de fotoperiodismo Contact Press Images.

Retratos Famosos:

John Lennon y Yoko Ono, última fotografía tomada a John vivo, el mismo día de su asesinato (8 de diciembre de 1980).

John and Yoko, 1981  // Anne Leibovitz:

Dolly Parton y Arnold Schwarzenegger en 1977.

La Reina Isabel ll del Reino Unido mirando hacia Londres.

¿Porqué es importante el trabajo de Annie?

Annie se ha caracterizado por su excelente trabajo y su gran pasión por la fotografía llegando al punto de vivir de esta. El trabajo de Leibovitz es fascinante, llegando al punto de hacer muchas portadas de revistas importantes. Se encargó de fotografiar momentos perfectos a partir de sus gustos.

Cibergrafía

https://es.wikipedia.org/wiki/Annie_Leibovitz

Autores:

Thomas Becerra Ríos

Mateo Jaramillo Restrepo

Grupo 01 – Fotografía Básica 2016-1

 

 

 

 

sebastiao salgado

Es un fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño nacido el 8 de febrero de 1944 en Aymorés (Minas Gerais).

Salgado ha viajado a más de 100 países por sus proyectos fotográficos. Su trabajo ha sido expuesto al rededor de todo el mundo.

Estudió economía en la Universidad de São Paulo y en la Universidad de Venderbit (EUA). En 1968 logró el máster en economía. Entre los años 1969 y 1971 viajó a París en donde obtuvo el doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económica. Trabajó en el Banco Mundial y abandona su cargo en 1973 para dedicarse a la fotografía. Su cámara ha captado el sufrimiento humano,  como: el hambre en el Sahel, el trabajo de los emigrantes, el éxodo de los pueblos, el trabajo en las minas.

Salgado es un fotógrafo autodidacta, trabajó en varias agencias fotográficas al principio de su carrera, como: Sigma (1974-1975), Gamma (1975-1979), y Magnum (1979-1994). En 1994 dejó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar así su obra. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. “Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos.” En 1998 ganó el premio Príncipe de Asturias de las artes. En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica. En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña, Madrid, donde ganó el Premio del Público

En el 2014 protagonizó su propia película titulada La Sal de la Tierra, donde fue documentado viajando por 4 continentes junto con su hijo Juliano. Toda la historia gira alrededor de lo que dice Sebastião, es sobre la gente, los sentimientos, las historias humanas. El documental condensa las series de fotografías de Salgado, que abarcan las hambrunas en Etiopía, las guerras en Serbia, la explotación minera en su natal Brasil y los paisajes más bellos del Ártico. Sin embargo, para el productor lo más lindo es la historia de amor del fotógrafo, que nació en Minas Gerais hace 71 años. Obtuvo una nominación al Óscar, se ganó el premio César (a lo mejor del cine francés) y, en el 2014, recibió tres reconocimientos en Cannes; entre esos, el especial del jurado de Una Cierta Mirada.

Libros Publicados

  • Génesis (2013)
  • Éxodos (2000)
  • La mina de oro de Serra Pelada (1999)
  • Otras Américas (1999)
  • Terra (1997)
  • Trabalhadores (1996)
  • La Mano del Hombre (1993)
  • Sahel: l’Homme en Détresse, Prisma Presse and Centre National de la Photographie, pour Médecins sans frontières, France (1986)
  • Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, París, (1982)

 

trabajo en minas

1986, en las minas de oro de “Serra Pelada” de Brasil, en ellas plasma la vida cotidiana de los mineros (garimpeiros).

amazonas sebastiao

Varones de la tribu de los awá, en su hábitat natural al noreste de Brasil, en plena Amazonia. Los integrantes de este grupo indígena son principalmente cazadores-recolectores y horticultores nómadas.

hambre sebastiao

Sahel: The End of the Road – 1984, war & worst drought recorded in history killed 1 million people in the Sahel region of Chad, Ethiopia, Mali, and Sudan, Africa – Sebastião Salgado

 

Familia

Con respecto a su familia, Salgado reside en París, Francia, donde su esposa llamada Lélia Wanick Salgado de igual forma apoya su trabajo dirigiendo la compañía nombrada Amazonas Images, de la propiedad de ambos, donde ella ha tomado protagonismo al diseñar algunas de sus principales obras y exposiciones. De igual forma Salgado dispone de hijos llamados respectivamente Juliano Ribeiro Salgado y Rodrigo Salgado.

Contacto con el UNICEF

Salgado fue nombrado representante especial de el UNICEF el 3 de abril de 2001, básicamente su trabajo principal se basaba en retratar por medio fotográfico los acontecimientos de las vidas de muchos desposeídos, ganando así un gran apoyo por parte de su público Europeo y Americano especialmente. En especial su trabajo se basaba en la exposición de libros donde exponía cada una de sus obras.

Obras y Carrera

Salgado dedicó gran parte de sus libros a los pobres, como fue en el caso de su primera obra, nombrada Otras Américas, en el cual retrato a los pobres de América Latina, finalmente publicado en 1986. De igual forma Salgado participó de la publicación de otra de sus obras, publicada en el mismo año de 1986, llamada Sahel: El fin del camino, donde colaboro con médicos para notificar la fuerte sequía que castigó a la región septentrional de África.  Sus obras dieron fruto a un público humanitario especialmente gracias a sus labores y conceptos usados en cada una de sus fotografías.

Entre sus trabajos para UNICEF fotografío a los trabajadores manuales de todo el mundo, teniendo como resultado otra de sus obras nombrada Workers (surgió entre 1986 y 1992). Su reputación se vio ayudada de gran manera gracias a su trabajo en el UNICEF, reportándose como uno de los fotógrafos documentales más respetados del momento. Para sus próximas obras retomó las migraciones de personas desplazadas surgiendo así: The Children, y Migrations, durante Migrations Salgado afirma de manera humanista que la raza humana, a pesar de las diferencias entre todos, somos similares. Dando así a entender su significado de la realidad de la que se caracterizan sus obras, retratando dichos momentos en los que las personas que fotografió se sentían vulneradas.

Salgado de igual forma a lo largo de su carrera apoyó el trabajo de otras personas como fue la Señora Graça Machel, de Mozambique, donde reportó las consecuencias de los conflictos armados en los niños. Llegando así hasta a trabajos con la Organización Mundial de la Salud con el propósito de dar fin a la poliomielitis, una enfermedad sumamente grave que afectaba a gran parte de poblaciones, en especial africanos.

Tomado de:

Bibliografía

– https://es.wikipedia.org/wiki/Sebastião_Salgado
– http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6480/Sebastiao%20Salgado
– https://belaypartners.wordpress.com/2015/10/02/la-sal-de-la-tierra-un-viaje-con-sebastiao-salgado/
– http://www.unicef.org/spanish/salgado/bio.htm

Cibergrafía – imágenes

– https://belaypartners.wordpress.com/2015/10/02/la-sal-de-la-tierra-un-viaje-con-sebastiao-salgado/
– https://es.scribd.com/doc/289011783/4/4-Los-sentidos-de-Salgado
– http://elpais.com/elpais/2014/10/17/eps/1413564183_553553.html
– https://maestrosdelafotografia.wordpress.com/2014/03/25/entrevista-a-sebastiao-salgado-fotografo-comprometido/
– https://es.pinterest.com/wpcallahan/sebastião-salgado/

 

Fecha: 29 de Enero/2016

———————–

Autores: 

Maria Isabel Gómez Botero

Juan Esteban Vélez Vásquez

Grupo 04.

———————–

Nació en Los Ángeles el 13 de agosto de 1952 y falleció también en Los Ángeles el 26 de diciembre de 2002.

Se caracterizaba por sus fotos en blanco y negro y por sus retratos de estilo similar a las esculturas de la Grecia clásica.

Hijo de una familia acomodada, Ritts fue el mayor de cuatro hermanos, y recibió la educación por parte de sus padres, Shirley y Herb Ritts Senior, dueños de una tienda de muebles. En 1974 obtiene el título de economía, en la Bard College. Después de graduado vuelve a Los Ángeles para trabajar en el negocio familiar. Mientras está en la Universidad comunica a sus padres su condición de homosexual, los cuales siempre le apoyaron. Mientras trabaja en la tienda familiar de muebles comienza a tomar clases nocturnas de fotografía, decidiendo dedicarse profesionalmente a la misma a finales de los 70.

Muere en Los Ángeles de complicaciones de una neumonía. Se presumía que era portador de VIH. En el momento de su fallecimiento su pareja era Erik Hyman. Durante su vida colaboró con muchas organizaciones de lucha contra el sida.

  • Su trabajo frente a la fotografía es impactante por sus fotografías en blanco y negro y por los retratos de estilo similar a las esculturas griegas.
  • Creó un estilo distintivo que tendió un puente entre el arte y el comercio.
  • Durante los años ochenta y noventa logró imponerse definitivamente en el escenario mundial, creando un nuevo glamour femenino y por primera vez presento hombres musculosos en poses plásticas que se inspiraban en la escultura de la Grecia clásica, esto era exactamente lo que estaba buscando la moda italiano en ese momento, en donde el glamour exclusivamente femenino se extendía incluso al hombre.

Participación en fotografía:

  • En 1981 realiza las fotos para la portada del álbum de Olivia Newton-John, Physical.
  • En 1984 comienza su colaboración con Madonna durante el rodaje de Buscando a Susan desesperadamente.
  • En 1986 sería el responsable de las fotos de portada del álbum de Madonna, True Blue. Aconsejado por Madonna se introduce en el mundo de los vídeos musicales, debutando con el vídeo de la canción Cherish de la propia Madonna.
  • En 1988 fotografía a Steve Winwood para el álbum Roll with it y al año siguiente a Belinda Carlisle para la portada de Runaway Horses.
  • En 1991 dos de sus vídeos, Wicked Game de Chris Isaak y Love Will Never Do (Without You) de Janet Jackson, ganaron premios de la MTV.
  • En 1992 dirigió junto a Michael Jackson el videoclip de éste In The Closet junto a la supermodelo Naomi Campbell. También realizó varias sesiones fotográficas para ambos.
  • Fotografió a Cindy Crawford para dos portadas de la revista Playboy: en julio de 1988 y en octubre de 1998.
  • Sus últimas fotografías publicadas fueron las publicadas en el Vanity Fair del actor Ben Affleck, realizadas tan sólo 10 días antes de fallecer.

Publicó cuatro libros: Men / Women (Twin Palms Publishers) 1989: Este box contiene dos libros con imágenes seleccionadas por Herb Ritts  de la primera década de su obra en la fotografía. Muchas de las imágenes fueron rechazadas para su publicación en revistas famosas que consideraron las fotos demasiado excéntricas o demasiado eróticas para sus lectores. El placer del artista se hace sentir en estas fotografías, que no ponen en peligro la visión individual del artista por el bien de la aceptación popular. Los hombresy las mujeres hermosas que pueblan estas páginas están familiarizados para trabajar como modelos comerciales, pero la cámarade Herb Ritts los muestra en una luz nueva y desconocida.

Su segundo libro Duo (Twin Palms Publishers)1991:cuenta con 50 fotografías de dos culturistas gay. Si alguien puede llevar a cabo este trabajo audaz, es Ritts, que ha dominado a fondo el arte de hacer de una polémica un punto de venta. Las fotografías son con la clara intención de ser chocante, pero no se confrontan en la forma como hacia Robert Mapplethorpe. Las fotos hablan más acerca de la belleza en la noción de una perfección clásica física y espiritual. Ritts plantea a los hombres en una variedad de sitios y situaciones, por separado y en conjunto, vestidos y desnudos. 

Su tercer libro fue Notorious (Little, Brown and Company/ Bulfinch Press) 1992: El fotógrafo ofrece 120 retratos inéditos de personalidades como Madonna, Jack Nicholson, Elizabeth Taylor, William Burroughs, y otras figuras conocidas del mundo del arte, el entretenimiento y la literatura.

Hay una sorprendente foto en blanco y negroMichelle Pfeiffer, y Clint Eastwood haciendo una personificación de Stan Laurel. El libro también tiene un apéndice en el que Herb Rittsrelata los detalles de sus mejores fotos

Su último libro fue África (Little, Brown and Company / Bulfinch Press) – 1994: Las 75 imágenes en blanco del libro son una declaración sorprendentemente personal. Sin las distracciones de las celebridades,Ritts fue capaz de revelar con claridadsus prioridades y preocupaciones emo- cionales y visuales. En una tierra ancestral fue capaz de capturar los ciclos incesantes de la vida y la muerte, la belleza y ferocidad. Este cuaderno de viaje explora el lugar pero también las metas artísticas. Estas magníficas fotografías serán una revelación para muchos fans de Ritts, y un regalo maravilloso para cualquier persona intrigada por el esplendor.

La importancia de su trabajo radica en la calidad de sus imágenes, en el excelente uso de elemento externos, y en la simpleza de muchas de sus obras. Con facilidad mostraba la belleza y fuerza del cuerpo humano, y les brindaba un gran poder a estos según las poses y ángulos. El uso del blanco y negro en sus obras brinda una neutralidad a las fotos, haciendo de ellas mas llamativas los cuerpos, las caras, y los elementos, que el color de lo que se use en ellas o de las locaciones. Su trabajo fue siempre personal, según lo que él sintiera o quisiera expresar, y a pesar de haber trabajado para muchas revistas, muchas de sus fotos no fueron a causa del mero hecho comercial, sino por el placer de la fotografía y la expresión gráfica.

versace-veiled-dress-herb ritts.jpeg

Versace dress, El Mirage, 1990.

Cindy Crawford – Ferre (1993).

Djimon with Octopus (Djimon Hudson) 1989.

 

Cibergrafía

https://es.wikipedia.org/wiki/Herb_Ritts

http://amorartinfo.blogspot.com.co/2012/07/herb-ritts-revoluciono-la-fotografia-de.html

Autoras: 

Valentina Urrego

Ana María Jiménez Vélez

Grupo 04.

 

 

aaa

Arnold Newman, 1940.

http://arnoldnewman.com/content/newman-family

Biografía

Nació el 03 de marzo 1918 en la ciudad de Nueva York. Se crió y asistió a escuelas en Atlantic City, N. J. y Miami Beach, FL. Estudió arte en virtud de una beca en la Universidad de Miami, Coral Gables, FL desde 1936 hasta 1938. Murió en la ciudad de Nueva York el 6 de junio de 2006. En general, reconocido como el pionero del retrato del medio ambiente, también es conocido por su todavía la vida y la fotografía abstracta, y se le considera como uno de los fotógrafos más influyentes del siglo 20.

Newman comenzó su carrera en la fotografía en 1938 a trabajar en estudios de retrato de la cadena en Filadelfia, Baltimore y West Palm Beach, y de inmediato comenzó a trabajar en la fotografía abstracta y documental por su cuenta. En junio de 1941, Beaumont Newhall del Museo de Arte Moderno (MoMA) y Alfred Stieglitz “descubrió” a él, y se le dio una exhibición con Ben Rose en la Galería dC en septiembre. Allí comenzó a trabajar en el retrato experimental, el desarrollo de un enfoque que es muy influyente en la fotografía de retrato en la actualidad.

 

 ima

Igor Stravinsky estudiando partitura. Nueva York, 1966.

http://v1.zonezero.com/magazine/obituaries/newman/indexsp.html

arnold_newman_-georges-segal-1964-portrait.jpg

Arnold Newman-georges-segal-1964.

http://oscarenfotos.com/2012/05/09/galeria-arnold-newman/

imagen

Arnold Newman,  Marcel Duchamp, 1942.

http://www.toutfait.com/popup/articles/vick/popup09.htm

Por qué es importante el trabajo fotográfico de Arnold Newman

El trabajo fotográfico de Arnold Newman es importante en muchas partes del mundo y ha sido reconocido con diferente premios y condecoraciones a nivel mundial gano un premio en la photokina la cual es una feria sobre la industria de la fotografía y la imagen, también una medalla de oro en la bienal de Venecia una de las instituciones culturales mas importantes del mundo premio a una vida de trabajo por la Sociedad Americana de fotógrafos de revistas en 1975 o Master of Photography de los Infinity Awards de 1999.

Los retratos que le dieron mayor relevancia en el mundo fotográfico son los retratos ambientales. Una característica de sus retratos es el empleo de elementos u objetos que se relacionan con los intereses o la profesión del personaje fotografiado en las fotografías de Arnold Newman siempre planeaba cuidadosamente dónde iba a tomar lugar la sesión. Siempre elegía el lugar que mejor representaba al retratado. Pueden ver dos galerías de este magnífico artista y aprender más sobre retratos ambientales.

Reflexión trabajo fotográfico

Desde nuestro punto de vista el trabajo fotográfico realizado por Arnold Newman y los diversos aportes que realizó durante el transcurso de su vida se basa principalmente en fotografías que hacen uso del medio ambiente y todos los lugares que hicieran sobresalir a las personas que iba a fotografiar lo cual hace que sus imágenes representen fuertemente todas las ideas que quiere mostrar y me parece muy interesante y creativo su forma de tomar fotografías.

Por:

Alexander Moreno Pertuz

Mauricio Antonio Márquez Barrios

Grupo 04.

BIOGRAFÍA

Nació el 16 de octubre de 1890 en la ciudad de Nueva York (Estados Unidos), en el seno de una familia de inmigrantes de Bohemia. Su padre le regaló la primera cámara cuando tenía 12 años.

Fue alumno de Lewis Hine en la Ethical Culture High school quien lo puso en contacto con lafotografía y quien lo vinculó al grupo Photo-secesion, donde conoció a Alfred Stieglitz.

Al inicio de su carrera abandonó el estilo pictorialista y realizó estudios semiabstractos de objetos comunes. Fue uno de los primeros fotógrafos en tratar la maquinaria y herramientas. No obstante, sus temas más perdurables fueron la naturaleza y las personas, así como los trabajos que realizó de los paisajes y los habitantes de Nueva Inglaterra, México, Francia y el norte de África.

En 1933 fue director del departamento de fotografía y cinematografía de la Secretaría de Educación de México. Bajo su influencia se fundó el grupo f/64 de fotógrafos estadounidenses de la costa oeste entre los que se encontraban Imogen CunninghamAnsel Adams y Edward Weston.
Paul Strand falleció en Orgeval, Francia, el 31 de marzo de 1976.

FOTOGRAFÍA DIRECTA Y DOCUMENTALISMO

El abandono de la aproximación pictorialista comienza a acercar a Strand al registro fotográfico directo de modo que “es considerado, con razón, uno de los fundadores de la fotografía documental moderna.”

El propio Strand explica:

“El fotógrafo documental dirige su cámara hacia el mundo real para registrar su autenticidad. Al mismo tiempo, busca la forma para organizar de manera eficiente su material. La forma y el contenido están interrelacionadas. Los problemas presentados por el contenido y la forma deben ser resueltos respetando la realidad que vemos. El problema principal es encontrar una forma que represente adecuadamente la realidad.”

Paul acabaría por formar parte del relato canónico de la fotografía documental junto con Henri Le Secq, Mathew Brady, Jacob Riis, Lewis Hine, Eugène Atget, August Sander, los miembros de la FSA (en particular Dorothea Lange),Walker Evans, o incluso los mucho más recientes Lee Friedlander y Diane Arbus.

Strand encuentra el punto de confluencia entre la fotografía artística y la ciencia en donde dice hallar “un mínimo de comprensión hacia el control de las cualidades puramente fotográficas. …fotografías honestas, directas y a veces imbuidas con una belleza involuntaria.”

En esta aproximación a la ciencia Strand equipara artistas y científicos al declarar que “un investigador usa las técnicas y materiales para desentrañar la verdad y el sentido del mundo en el que vive; crea, o mejor dicho entrega, los resultados objetivos de sus exploraciones.”

En 1916 Paul tuvo un excelente año como fotógrafo la revista camera work publica dos ensayos que incluyen fotografías que se convertirían muy famosas para la historia.

En paralelo se inaugura en la Gallery 291 su primera exposición personal titulada Photographs of New York and Other Places.

CARACTERÍSTICAS GENERALES DE SU TRABAJO

  • Observa lo que pasa a su alrededor.
  • Se interesa por el cubismo y se impregna de sus fines.
  • Sus imágenes de gente de la calle son un preludio de lo que la fotografía sería a partir de entonces: escenas improvisadas que son un acercamiento al retrato psicológico.
  • Fotógrafo limpio y directo.
  • Sin mentiras.
  • Su actitud a lo largo de su vida fue la de un gran observador. Ya estuviera en Francia o Ghana su obsesión por la visión siempre estaba presente.
  • Se oponía al presente mecanizado y utilitarista proponiendo una vida más contemplativa en comunión con la naturaleza.
  • Por otro lado mostraba un gran respeto por las cosas tal como eran: “Observa que cada objeto, cada hoja de hierba, se tiene en cuenta y se usa, que todas las cosas se aceptan plenamente unas a otras”.
  • Gran ejemplo de esta actitud es su fotografía The White Fence.Una escena aparentemente sencilla, pero donde los tablones del primer término de una valla, aparentemente iguales, están desgastados de forma diferente.
  • Sencillo y con gran sentido del espacio y del ritmo, se apoya en un equilibrio entre formas y volúmenes donde el ser humano se hace su hueco con fuerza.
  • En sus retratos llenos de pureza, con un estilo documental casi sociológico, los personajes son retratados, sin tener en cuenta su condición, con un gran respeto al individuo y evitando aspectos sórdidos .Los dignifica y ennoblece con sensibilidad y afecto sin caer en la sensiblería .Son retratos donde se respira cierta tranquilidad y sosiego. No agobia. Es una lucha sin enemigos .Estos individuos serenos, no rehuyen la mirada al frente. Son ellos mismos.Hablan de sí y de su mundo.
  • Fue uno de los primeros fotógrafos en tratar la maquinaria y herramientas. No obstante, sus temas más perdurables fueron la naturaleza y las personas, así como los trabajos que realizó de los paisajes y los habitantes de Nueva Inglaterra, México, Francia y el norte de África. Gentes vigorosas, pese a su escaso tamaño, al lado de las elevadas construcciones.

 

walker_evans_metro3_acordeonista

Walker Evans. Subway passengers, New York (1938).

blind_biblioteca_del_congreso_paul_strand

Paul Strand, Blind (1916) LC-USZ62-79449 de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

wall_street_paul_strand

Paul Strand, Wall Street, New York City (1915) LC-USZ62-97529 de la Biblioteca del Congreso de Estados Unidos.

CONCLUSIONES

A nuestro criterio el trabajo de Paul Strand está muy centrado en la fotografía documental, lo que quiere decir es que registra las situaciones que se presenta en el mundo, lo cual nos parece algo de admirar, también  nos interesó su característica que era tener la suficiente capacidad técnica de captar las situaciones como un documental solo en una fotografía, fue un gran profesional y realizó trabajos muy impresionantes que nos ayudan a comprender los distintos campos que puede tener la fotografía y lo importante que es en el mundo artístico.

TOMADO DE:

http://oscarenfotos.com/2013/06/29/paul-strand-el-fotografo-directo/

http://biografiadefotografos.blogspot.com.co/2014/09/fotografia-directa-paul-strand.html

AUTORES:

Anyi Bermudez Mejia.

Asdrubal Parra Herazo.

GRUPO 04.

1

Ruven Afanador nació en Bucaramanga, en el departamento de Santander (Colombia) en 1959.

Vivió en Bucaramanga con sus tres hermanas (Marlene, Marta Cecilia y Elizabeth) y sus padres hasta el año de 1972. A los 14 años se muda a Michigan con su familia. Su papá, un reconocido relojero de Bucaramanga donde nació Ruven movido por el sueño inevitable de todo padre de lograr un destino mejor para sus hijos, decidió dejarlo todo y mudarse con sus cuatro hijos Ruven y tres hermanas a los Estados Unidos. Cuando Ruven llegó a estados unidos asistió a la escuela en el medio oeste a la derecha de la parte más importante del país. Un crudo diferente lugar de el mágico mundo de su niñez, pero lo vió lleno de posibilidades. Después mientras estudiaba arte el conoció la fotografía y desde ese momento se dió cuenta que la fotografía sería su pasión, él podría transformar la realidad ordinaria dentro de un esplendor cautivador.

Después de la graduación pasó dos años en Washington DC. Sus primeros trabajos profesionales los lleva a cabo en Washington, con una firma nueva de un fotógrafo amigo, Jahn Stephens. En 1987 parte hacia Milán, para continuar la formación de su portafolio enriqueciéndose con esta experiencia en Europa. Como principiante tranza alianzas con jóvenes modelos y diseñadores desconocidos, apoyándose mutuamente en sus carreras. La falta de recursos económicos y de un estudio propio, lo empujan a recurrir a espacios exteriores en callejones y avenidas, y es allí, en la clásica Italia, donde evoca el pasado de cualidades religiosas y románticas de su infancia, que le dan a su fotografía su sello particular apegándolo, hasta hoy, a ese tipo de locaciones.

En 1990 llegó a New York , después de estudiar fotografía tres años en Milán. La ciudad no le era desconocida ya que había viajado a ella varias veces desde Michigan. Cuando regresó trajo un portafolio que atrajo la atención de editores de las mejores revistas. Después de esto sus distintos editoriales de moda distinta, sus anuncios de firma y retratos icónicos de las emblemáticas bellezas y poderosas figuras masculinas de los mundos del arte, literatura, música y películas contemporáneas que ha aparecido constantemente en el mundo del líder de la moda, celebridades y retratos en revistas. Su trabajo ha sido el resultado de numerosas exhibiciones e instalaciones en galerías, museos y lugares abiertos en Latinoamérica, Europa, Asia y los Estados Unidos.

Importancia de su trabajo

Ruven afanador es un renombrado fotógrafo internacional sin límites de imaginación, con una visión de gran alcance y profundo sentido de sí mismo. Su trabajo es distinguido por un opulento clasicismo matizado por un irreverente punto de vista. Su idiosincrático lenguaje visual es informado por la feroz emoción de su espléndido estilo de su patrimonio latinoamericano, filtrado por sus modales exquisitos saturados con una singular carga erótica.

El ojo mágico de Ruven Afanador, obtura sobre imágenes reconstruidas de realidades paralelas a la nuestra, que habitan universos oníricos, logrando situarlas con decoro y maestría en sus fotografías… un vidrio tachonado con pinturas diversas, una malla que cubre ligeramente la piel, cabellos enmarañados, cejas semejantes a penachos punk, una roca gigante a manera de sombrero de la más pura esencia surrealista, fondos con brochazos de colores intensos, cinturas diminutas revestidas de pedrería, uñas que se prolongan en el espacio soportando pesados piercing, cremalleras, plumas, encajes y maquillaje carnavalesco

Trabaja sus imágenes con un particular concepto del color que se pasea por gamas luminosas y atrevidas como queriendo salirse de su marco, o con sobrios y lúgubres contrastes en blanco y negro, que pelean su permanencia reclamando su lugar dentro de lo clásico, siendo afirmadas en toda suerte de texturas y formas que van desde una simple cama hasta entramadas obras arquitectónicas.  Todo esto conformando un armonioso conjunto con los trajes y modelos que se amalgaman, adoptando el carácter misterioso, opulento, clásico y elegante de su entorno.

Sus trabajos atraen el interés de revistas y personalidades de la moda dando un viraje a su carrera lo catapulta hacia un contacto permanente con las grandes publicaciones de moda de Estados Unidos y Europa.

Considerado como uno de los líderes de la fotografía de moda, sus imágenes recorren el mundo invadiendo la portada de las más prestigiosas revistas como Paris Vogue, American Elle, Vanity Fair, New Yorker, Rolling Stone, New York Times magazine, Allure Esquire, Premier y otras tantas. Es fotógrafo de marcas como L´Oreal, Lancôme, Yves Saint Laurent, Max Mara, Moschino, Cacharel, Guerlain, Oscar de la Renta, Christian Dior, Victoria´s Secret.

Fotografías

4

2

Exhibición: Torero

Jose Luis Pintado Martinez, Madrid, España, 2001.

http://ruvenafanador.com/m/index.php?/portfolio/80

3

Exhibición: Sombra

Merell, London, New York,2004.

http://ruvenafanador.com/m/index.php?/portfolio/70

Libros:

  • Torero, libro editado en el 2001, contiene 175 fotografías sobre el mundo de la tauromaquia.
  • Sombra, prologado por Jean-Paul Gaultier.
  • Mil besos , en el 2009.

Apreciación:

A nuestro parecer no nos ha gustado su estilo por su forma tan particular de exhibir la “belleza” femenina y los desnudos masculinos. Aunque su trabajo es muy importante e influyente, ya que él busca expresar al público que la belleza está en los ojos de quien la ve y no en quiénes posan.

Cibergrafía:

Por:

°Sebastian Úsuga Gutiérrez        ID:000321280

°Juan Camilo Arbeláez Agudelo  ID:000320816

Grupo 04.

A %d blogueros les gusta esto: