Archivos para las entradas con etiqueta: Blanco y negro
James nachtwey

“Hay un trabajo que hacer… contar la verdad ¡lo que deseo es despertar a la gente!” 

 

Nacido en Syracuse el 14 de marzo de 1948 y criado en Massachusetts, es uno de los fotógrafos mas impresionantes por su trayectoria a lo largo de todos los conflictos internacionales de los últimos 30 años. De personalidad callada y formado en la historia del arte y ciencias políticas por la universidad de Dartmouth. Influenciado por las imágenes de guerra de Vietnam y del movimiento por los derechos civiles afroamericanos, decide hacerse fotógrafo. Su carrera comienza cuando en 1976 realiza un trabajo como fotógrafo a un periódico para luego años más tarde trabajar como freelance.

Su primer trabajo internacional fue la cobertura del movimiento civil en Irlanda del Norte en 1981 durante la huelga de hambre protagonizada por miembros del IRA  y del INLA. Desde entonces, se ha dedicado a documentar guerras, conflictos y situaciones sociales precarias. En el 2001 se publicó el documental War photographer basado en su obra, dirigido por Christian Frei y nominado a los Oscar como mejor película documental. Ha trabajado en extensos ensayos fotográficos en El Salvador, Nicaragua, Guatemala, Líbano, Cisjordania y Gaza, Israel, Indonesia, Tailandia, India, Sri Lanka, Afganistán, Filipinas, Corea del Sur, Somalia, Sudán, Ruanda, Sudáfrica , Rusia, Bosnia, Chechenia, Kosovo, Rumanía, Brasil y los Estados Unidos. En el 2003, trabajando para la revista Time en Bagdad fue herido por una granada cuando acompañaba una patrulla del ejercito de los Estados Unidos.

No muchos foto periodistas pueden decir que han sido cinco veces ganadores de la Medalla de Oro Robert Capa, dos veces foto del año en el World Press Photo, dos veces premio Bayeaux a corresponsales extranjeros, siete veces ganador del Magazine Photographer of the Year y otras tantas del premio Leica.

jamesnachtwey_11s

Atentado de las torres gemelas, 11 de septiembre, New York

“Lo peor de mi trabajo es que, como fotógrafo, me aprovecho de las desgracias ajenas”

hambruna

Víctima de hambre, Sudán, 1993.

JN0016RIN

Romania, 1990, Orfanato de “incurables”.

JN0002SIN

Somalia, 1992, un niño muerto de hambre, al fondo un hombre con un arma.

La importancia de su trabajo

Una de las cosas que se debe destacar es que la mayoría de sus obras son en blanco y negro, explica que es para crear cierta sensación de dramatismo, también utiliza el desenfoque en sus obras para que el espectador se centre en lo que él quiere que vea. No utiliza grandes teleobjetivos para capturar cada una de las imágenes, él mismo fotografía lo que hay a su alrededor, dando importancia que cada imagen tenga un impacto frente al que lo observa. Aunque en sus obras se puede dar a pensar que es un hombre el cual capta un mundo cruel y violento sin morbo alguno, Natchwey muchas veces debe soportar mucho dolor, las imágenes que captura, el no poder realizar algo más para poder ayudar a los que se encuentran al frente de la cámara, solo confiando en que cada imagen pueda llegar a la mirada de cada persona y decirles con un mensaje visual “¡mira este es el mundo en el que estamos!” esperando que los demás nos levantemos y dejemos de ignorar la situación actual en la vida del hombre. Nos ofrece por el medio visual, un mensaje, una idea, toda una realidad que muchas veces consume al mundo y que ni aunque este enfrente de nosotros nos llegamos a dar cuenta.

Rwanda 1994 sobreviviente de el campo de la muerte hutu

Rwanda, 1994, sobreviviente de un campo de muerte llamado Hutu.

Reflexión

El trabajo de James es importante porque muestra la realidad en sus imágenes y hace ver muchas situaciones demasiado “fuertes”, James utiliza un medio como es la fotografía, un medio visual, para poder generar conciencia sobre lo que pasa en el mundo y de las veces que nos quedamos cruzados de brazos ante estas situaciones.

 

CIBERGRAFÍA E IMÁGENES:

http://memoriandofotografia.blogspot.com.co/2012/02/wim-wenders-presenta-james-nachtwey.html

http://www.taringa.net/posts/imagenes/14832055/James-Nachtwey-corresponsal-de-guerra.html

http://carmencontrerasfotografia.blogspot.com.co/2012/10/james-nachtwey-fotografo-de-guerra.html

http://www.nationalgeographic.es/fotografia/fotografos/james-nachtwey

http://www.xatakafoto.com/fotografos/james-nachtwey-hay-un-trabajo-que-hacer-y-es-contar-la-verdad

FECHA: 01/02/2016

AUTORES:

Santiago Benítez Mejía

Daniel Tobón Celis

Fotografía Básica Grupo 01 / 2016-1.

Anuncios

 

 

sebastiao salgado

Es un fotógrafo sociodocumental y fotorreportero brasileño nacido el 8 de febrero de 1944 en Aymorés (Minas Gerais).

Salgado ha viajado a más de 100 países por sus proyectos fotográficos. Su trabajo ha sido expuesto al rededor de todo el mundo.

Estudió economía en la Universidad de São Paulo y en la Universidad de Venderbit (EUA). En 1968 logró el máster en economía. Entre los años 1969 y 1971 viajó a París en donde obtuvo el doctorado en la Escuela Nacional de Estadística Económica. Trabajó en el Banco Mundial y abandona su cargo en 1973 para dedicarse a la fotografía. Su cámara ha captado el sufrimiento humano,  como: el hambre en el Sahel, el trabajo de los emigrantes, el éxodo de los pueblos, el trabajo en las minas.

Salgado es un fotógrafo autodidacta, trabajó en varias agencias fotográficas al principio de su carrera, como: Sigma (1974-1975), Gamma (1975-1979), y Magnum (1979-1994). En 1994 dejó Magnum para formar su propia agencia Amazonas Images en París y representar así su obra. Destaca en su obra la documentación del trabajo de personas en países menos desarrollados o en situación de pobreza. “Más que nunca, siento que solo hay una raza humana. Más allá de las diferencias de color, de lenguaje, de cultura y posibilidades, los sentimientos y reacciones de cada individuo son idénticos.” En 1998 ganó el premio Príncipe de Asturias de las artes. En 2001 llegó a ser nominado representante especial de UNICEF por su labor. El galerista Hal Gould considera a Salgado el mejor fotógrafo de los comienzos del siglo XXI.

Trabaja en proyectos propios de larga duración, algunos de los cuales han sido publicados en libros como Otras Américas o Éxodos. Sus fotografías más conocidas podrían ser las realizadas en las minas de oro de Serra Pelada en Brasil. Suele fotografiar en blanco y negro con Leica. En el año 1989 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad

En junio de 2007, tras recibir el Premio Príncipe de Asturias de las Artes, hubo una gran exposición antológica sobre su trabajo en el festival internacional de PHotoEspaña, Madrid, donde ganó el Premio del Público

En el 2014 protagonizó su propia película titulada La Sal de la Tierra, donde fue documentado viajando por 4 continentes junto con su hijo Juliano. Toda la historia gira alrededor de lo que dice Sebastião, es sobre la gente, los sentimientos, las historias humanas. El documental condensa las series de fotografías de Salgado, que abarcan las hambrunas en Etiopía, las guerras en Serbia, la explotación minera en su natal Brasil y los paisajes más bellos del Ártico. Sin embargo, para el productor lo más lindo es la historia de amor del fotógrafo, que nació en Minas Gerais hace 71 años. Obtuvo una nominación al Óscar, se ganó el premio César (a lo mejor del cine francés) y, en el 2014, recibió tres reconocimientos en Cannes; entre esos, el especial del jurado de Una Cierta Mirada.

Libros Publicados

  • Génesis (2013)
  • Éxodos (2000)
  • La mina de oro de Serra Pelada (1999)
  • Otras Américas (1999)
  • Terra (1997)
  • Trabalhadores (1996)
  • La Mano del Hombre (1993)
  • Sahel: l’Homme en Détresse, Prisma Presse and Centre National de la Photographie, pour Médecins sans frontières, France (1986)
  • Les Hmongs, Médecins sans frontières, Chêne/Hachette, París, (1982)

 

trabajo en minas

1986, en las minas de oro de “Serra Pelada” de Brasil, en ellas plasma la vida cotidiana de los mineros (garimpeiros).

amazonas sebastiao

Varones de la tribu de los awá, en su hábitat natural al noreste de Brasil, en plena Amazonia. Los integrantes de este grupo indígena son principalmente cazadores-recolectores y horticultores nómadas.

hambre sebastiao

Sahel: The End of the Road – 1984, war & worst drought recorded in history killed 1 million people in the Sahel region of Chad, Ethiopia, Mali, and Sudan, Africa – Sebastião Salgado

 

Familia

Con respecto a su familia, Salgado reside en París, Francia, donde su esposa llamada Lélia Wanick Salgado de igual forma apoya su trabajo dirigiendo la compañía nombrada Amazonas Images, de la propiedad de ambos, donde ella ha tomado protagonismo al diseñar algunas de sus principales obras y exposiciones. De igual forma Salgado dispone de hijos llamados respectivamente Juliano Ribeiro Salgado y Rodrigo Salgado.

Contacto con el UNICEF

Salgado fue nombrado representante especial de el UNICEF el 3 de abril de 2001, básicamente su trabajo principal se basaba en retratar por medio fotográfico los acontecimientos de las vidas de muchos desposeídos, ganando así un gran apoyo por parte de su público Europeo y Americano especialmente. En especial su trabajo se basaba en la exposición de libros donde exponía cada una de sus obras.

Obras y Carrera

Salgado dedicó gran parte de sus libros a los pobres, como fue en el caso de su primera obra, nombrada Otras Américas, en el cual retrato a los pobres de América Latina, finalmente publicado en 1986. De igual forma Salgado participó de la publicación de otra de sus obras, publicada en el mismo año de 1986, llamada Sahel: El fin del camino, donde colaboro con médicos para notificar la fuerte sequía que castigó a la región septentrional de África.  Sus obras dieron fruto a un público humanitario especialmente gracias a sus labores y conceptos usados en cada una de sus fotografías.

Entre sus trabajos para UNICEF fotografío a los trabajadores manuales de todo el mundo, teniendo como resultado otra de sus obras nombrada Workers (surgió entre 1986 y 1992). Su reputación se vio ayudada de gran manera gracias a su trabajo en el UNICEF, reportándose como uno de los fotógrafos documentales más respetados del momento. Para sus próximas obras retomó las migraciones de personas desplazadas surgiendo así: The Children, y Migrations, durante Migrations Salgado afirma de manera humanista que la raza humana, a pesar de las diferencias entre todos, somos similares. Dando así a entender su significado de la realidad de la que se caracterizan sus obras, retratando dichos momentos en los que las personas que fotografió se sentían vulneradas.

Salgado de igual forma a lo largo de su carrera apoyó el trabajo de otras personas como fue la Señora Graça Machel, de Mozambique, donde reportó las consecuencias de los conflictos armados en los niños. Llegando así hasta a trabajos con la Organización Mundial de la Salud con el propósito de dar fin a la poliomielitis, una enfermedad sumamente grave que afectaba a gran parte de poblaciones, en especial africanos.

Tomado de:

Bibliografía

– https://es.wikipedia.org/wiki/Sebastião_Salgado
– http://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6480/Sebastiao%20Salgado
– https://belaypartners.wordpress.com/2015/10/02/la-sal-de-la-tierra-un-viaje-con-sebastiao-salgado/
– http://www.unicef.org/spanish/salgado/bio.htm

Cibergrafía – imágenes

– https://belaypartners.wordpress.com/2015/10/02/la-sal-de-la-tierra-un-viaje-con-sebastiao-salgado/
– https://es.scribd.com/doc/289011783/4/4-Los-sentidos-de-Salgado
– http://elpais.com/elpais/2014/10/17/eps/1413564183_553553.html
– https://maestrosdelafotografia.wordpress.com/2014/03/25/entrevista-a-sebastiao-salgado-fotografo-comprometido/
– https://es.pinterest.com/wpcallahan/sebastião-salgado/

 

Fecha: 29 de Enero/2016

———————–

Autores: 

Maria Isabel Gómez Botero

Juan Esteban Vélez Vásquez

Grupo 04.

———————–

55383d51d96aa_nick_brandt

Nick Brandt es un fotógrafo inglés (nacido en Londres en 1966, actualmente vive en Topanga, California) que trata la fotografía de animales salvajes (normalmente de África Oriental) de forma artística, como contraposición al estilo normal del género de fotografía de animales salvajes. Sus fotografías, de un increíble romanticismo e impregnadas de una plasticidad casi pictórica, recuperan los antiguos senderos de la nostalgia, esplendor y belleza de un continente indómito de naturaleza salvaje, tan infinitamente hermoso como cruel, extenso y lleno de contrastes, e increíblemente seductor como es África.

Su finalidad es retratar en algún momento un último testamento poético-visual de los animales salvajes y los lugares, antes de que sean presos del hombre; su trabajo se reduce exclusivamente a fotografiar África en todo su esplendor.  Tan infinitamente hermoso como cruel, extenso y lleno de contrastes, e increíblemente seductor como es aquel continente.

Fotografías Destacadas

Elephants Walking Through Grass fb3
Elefantes caminando por el césped, Amboseli 2008.
Colmillos de elefantes muertos a manos del hombre, Amboseli, 2011
Colmillos de elefantes muertos a manos del hombre, Amboseli, 2011.
Elefante con estallido de polvo, Amboseli, 2004
Elefante con estallido de polvo, Amboseli, 2004.
Huevo de Avestruz abandonado, Amboseli 2007.
Huevo de Avestruz abandonado, Amboseli 2007.

Importancia de su trabajo

Cada una de sus fotografías mantienen un toque de romanticismo, impregnadas de una plasticidad casi pictórica que recupera los antiguos senderos de la nostalgia, esplendor y belleza de un continente que alberga la naturaleza salvaje. Ha logrado captar “El drama de los animales salvajes en acción, capturar ese momento único dramático sin necesidad de aparecer atacando”.

Opinión personal

Nick Brandt no sólo experimenta esta experiencia sino que a través de cada una des sus fotografías regala la oportunidad de vivirla.

Lo que a él le interesa es mostrar a los animales simplemente en el estado de Ser. En el estado de ser antes de que ya no son ahora. Este mundo está bajo amenaza terrible, todo ello causado por nosotros. Para mí, cada criatura, humano o no humano, tiene el mismo derecho a vivir, y este sentimiento, esta creencia de que todos los animales y seres humanos somos iguales.

Cibergrafía

http://www.nickbrandt.com/

http://m.taringa.net/posts/info/15194196/Fotografo-Nick-Brandt-Info-e-Imagenes.html

http://greenpeardiaries.blogspot.com/2015/03/nick-brandt-una-trilogia-de-la-vida-salvaje-en-blanco-y-negro.html?m=1

Fecha

28/07/2015

Wendy Navarro Duque.

Fotografía Básica / Grupo 01.

acerca vh

Reseña

Arquitecta y fotógrafa colombiana. Dedicada durante la semana al trabajo editorial y los fines de semana cuenta historias de matrimonios para efeunodos, con fotografías no tradicionales y espontáneas.

Su trabajo se caracteriza por un estilo propio, lleno de luz natural y un enfoque muy particular para el foto reportaje. Siempre buscando la magia de cada situación, para así volver cada imagen una excusa que asombre a quien la mire.

En 2013 empezó con Fotomeraki, un proyecto paralelo dedicado a mostrar lo mejor de la fotografía contemporánea del país. Actualmente vive y trabaja en Bogotá.

Importancia del trabajo fotográfico

La importancia de esta fotógrafa es su talento para capturar la espontaneidad, la naturalidad y la feminidad, es una mujer muy observadora que aprecia los detalles lo que la inspiró a hacer la serie “fotógrafas Colombianas”, un proyecto enfocado a mostrar el talento de las fotógrafas colombianas que siempre llevan el sello de los detalles y la feminidad.

Trabajo fotográfico

luna 2 vhluna vh

Trabajo fotográfico historias LUNA.

peludos 2 vh

Trabajo retrato fotográfico peludos.

  bacanika 1 vhbacanika 2 vh

Trabajo fotográfico comercial BACANIKA.

Opinion personal

Nos gustó mucho la filosofía de Victoria para capturar momentos, especialmente la espontaneidad y la variedad de historias que cuenta a través de sus fotografías. El hecho de que le da mucha importancia a los detalles hace que sus fotos se vean precisas y seguras. Nos llamó la atención el hecho de que usa un estilo único en ella y similar en cada proyecto, pero la historia y el personaje central cambia totalmente, por ejemplo en unas fotografías nos muestra una mujer delicada, suave, mientras que en otra muestra una mujer fuerte e imponente (resaltando todas las facetas que tiene el género, haciendo énfasis en la personalidad de la mujer). Nos impresionó la capacidad que tiene para transportar al espectador al lugar fotografiado (lugares de momentos).

kika vh

Trabajo fotográfico Historias KIKA.

violeta hv

Trabajo fotográfico Historias, VIOLETA.

habana vh

Trabajo fotográfico Lugares de Momentos, LA HABANA.

Autoras

Camila Barvo Escobar e Isabel Vásquez Aguilar.

Fuentes

http://www.victoriaholguin.com/acerca

http://www.fucsia.co/personajes/nacionales/articulo/retratos-de -fotografas-colombianas/45983#.VNEQi4g8KK1

http://www.victoriaholguin.com/luna

http://www.victoriaholguin.com/peludos

http://www.victoriaholguin.com/revista-bacanika88#/id/i4790526

http://www.victoriaholguin.com/kika

http://www.victoriaholguin.com/violeta

http://www.victoriaholguin.com/la-habana

Fecha de consulta: 3 de febrero 2015.

#VictoriaHolguin #Detalles #Peludos #LugaresMomentos #Historias #Feminidad #LaHabana #RevistaBacanika

Lewis Carroll - 1833

Lewis Carroll – 1833, foto tomada por él mismo.

(Charles Lutwidge Dogson; Daresbury, Reino Unido, 1832-Guildford, id., 1898) Lógico, matemático, fotógrafo y novelista británico. Tras licenciarse en el Christ Church (1854), empezó a trabajar como docente y a colaborar en revistas cómicas y literarias, adoptando el seudónimo por el que sería universalmente conocido. En 1857 obtuvo una plaza como profesor de matemáticas y cuatro años después fue ordenado diácono.

Alicia en el pais de las maravillas

Ilustración de John Tenniel de Alicia en el País de las Maravillas, 1865.

En 1862, en el curso de uno de sus paseos habituales con la pequeña Alice Liddell y sus dos hermanas, hijas del deán del Christ Church, les relató una historia fantástica, «Las aventuras subterráneas de Alicia». El libro se publicó en 1865, con el título de Alicia en el país de las maravillas; él mismo costeó la edición, que fue un éxito de ventas y recibió los elogios unánimes de la crítica, factores que impulsaron a Carroll a escribir una continuación, titulada A través del espejo y lo que Alicia encontró allí (1871).

La peculiar combinación de fantasía, disparate y absurdo, junto a incisivas teniendo sus obras lógica y matemática, permitieron que las obras se convirtieran a la vez en clásicos de la literatura infantil y en inteligentes sátiras morales, llenas de apuntes filosóficos y lógicos, aunque naturalmente para un público adulto y atento.

 Julia Arnold

Alexndra Kitchin, retratada por Carroll, 1873.

Por otra parte, han sido objeto de diversas especulaciones las tendencias sexuales de Carroll, sobre todo en lo referente a sus numerosas amistades con niñas, a las que gustaba de fotografiar en las poses más variadas, ataviadas con multitud de vestimentas, e incluso desnudas.

Alexndra Kitchin

Julia Arnold, 1872.

Cuando Lewis murió tenia varias cajas que contenían cosas que solo el veía y estaban bajo llave, sus hermanos se decidieron a abrir aquella caja y ver las decenas de fotografías cuidadosamente ordenadas que había dentro. En todas ellas aparecían niñas de entre seis y doce años que posaban para la cámara en diferentes escenarios y posturas, algunas decididamente sensuales. En varias de esas fotografías, además, las niñas aparecían desnudas.

El deseo de Carroll por las menores no era ningún secreto en la familia, que había asistido a un sinfín de habladurías y rumores desde hacía años, algunas veces incluso aireadas por la prensa local. Sin embargo, tras la muerte de Carroll llegaba el momento de rehabilitar el nombre de la familia y acabar con todos aquellos rumores. En la propia chimenea de la casa de Carroll, se quemaron cientos de cartas y documentos, y varios de los volúmenes que conformaban su diario personal fueron fuertemente manipulados y mutilados. Se tacharon nombres y fechas, se eliminaron párrafos, se cambiaron frases e incluso desaparecieron años enteros de su diario, sobre todo entre 1858 y 1863, cuando por entradas posteriores sabemos que debió pasar un hecho que pesaba especialmente en la conciencia de Carroll y al que él se refería como su pecado. Aun así, no todo fue destruido. La familia decidió guardar muchas de aquellas fotografías y una parte de las cartas y documentos sobrevivieron a la hoguera y a la censura.

Niña desnuda

Foto tomada por Lewis – Niña desnuda, 1874.

La caza del Snark es un poema sin sentido que escribió  en 1874, a la edad de 42 años. El poema describe “con humor infinito, el viaje imposible de una tripulación improbable, para hallar a una criatura inconcebible“.

Lewis Carroll - Henry Holiday - Hunting of the Snark - Plate

Lewis Carroll – Henry Holiday – Hunting of the Snark, 1839-1927.

Holiday - Hunting of the Snark - Plate

Hunting of the Snark – Plate, Henry Holiday, 1839-1927.

Silvia y Bruno es una novela escrita por Lewis , cuyo primer volumen fue publicado en 1889 y el segundo en 1893, ambos ilustrados por Harry Furniss  (1854-1925).

Sylvie and Bruno illustration

Sylvie and Bruno illustration, 1889.

Opinión Personal:

Este artista me encantó, es un hombre multifacético que sabe de todo un poco, es una persona muy completa, su trabajo de Alicia en el país de las maravillas es una gran obra que así haya pasado el tiempo sigue siendo un gran éxito, aunque tenía cierto gusto por las fotos de niños desnudos si lo  miramos técnicamente son fotos estupendas, pero no me parece que las fotos se les hagan a los niños pues los niños son significado de pureza e inocencia.

Lewis un artista con mucha creatividad y sentido de innovación, una persona muy inteligente y ya que tenía tantos conocimientos me parece muy significativo que en cada uno de sus trabajos aplicara lo que sabe, por ejemplo en su obra de Alicia usa paradojas matemáticas y lógicas. Lo que pude ver de él es que tenía una mente abierta, fantástica y fuera de lo común, que lo hace diferente a muchos y le da a todos sus trabajos su toque especial.

Fuentes de consulta:

http://www.culturamas.es/blog/2013/08/02/el-hombre-que-amaba-a-las-ninas-correspondencia-y-retratos-de-lewis-carroll/

http://ramonchao.wordpress.com/2011/04/28/alicia/

http://es.wikipedia.org/wiki/Silvia_y_Bruno

http://es.wikipedia.org/wiki/Categor%C3%ADa:Novelas_de_Lewis_Carroll

http://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll

Fecha de consulta: 00/00/2014

(1891-1956)

Alexander

Alexander Rodchenko nació en diciembre de 1891 en San Petersburgo.

Fue uno de los artistas constructivistas más importantes que surgieron tras la Revolución Rusa de 1917.

Antes de dedicarse a la fotografía Rodchenko se dedicó al dibujo y a la pintura claramente influenciada por el suprematismo.

Los orígenes de su carrera están muy ligados al arte pictórico. Dirigió la Oficina del Museo y el Fondo de compras del gobierno bolchevique en 1920. Desde ese año hasta 1930 dio clases en la Escuela Técnica Superior de Estudios Artísticos.

Fue pintor, escultor, artista gráfico y fotógrafo. Se convirtió tempranamente en uno de los líderes del arte de la vanguardia constructivista rusa. Realizaba fotomontajes en los que buscaba ofrecer, a partir de materiales fotográficos preexistentes, un equivalente visual de los versos del poeta Vladimir Mayakovski.

A partir de 1924 comenzó a tomar fotografías que se destacan por sus ángulos picados o contrapicados, los fuertes escorzos, el abundante uso de diagonales y la utilización de cámara oblicua. Según Rodchenko, una nueva forma de ver, incluso las cosas cotidianas, rompería con una forma de ver tradicional y posibilitaría una nueva toma de conciencia que reafirmaría la Revolución Socialista.

Sus imágenes fueron publicadas en numerosas revistas de la época. Destaca su cuidada composición diagonal en la que los detalles que puedan distraer al espectador no existen.

Su trabajo fue evolucionando poco a poco de la abstracción a la concreción. En los años 30 sus fotografías más reconocidas son de actividades deportivas o de desfiles militares.

Sus trabajos en diseño gráfico, cartelería y portadas de revistas son mundialmente reconocidos. Alexander Rodchenko llegó a marcar un estilo propio que lo identifica con el movimiento constructivista que se estaba viviendo en la época.

Retrato de Lilya Brik 1924

Retrato a Lilya Brik – 1924.

Los pasos 1929

Los pasos – 1929.

Escalera de incendio 1925

Escalera de incendio 1952.

Opinión personal: 

Este fotógrafo tiene un trabajo admirable y osado al retratar la revolución rusa.

Tiene gran sentido de la innovación, ya que no solo se dedica a fotografiar, sino que también mezcla el diseño haciendo carteles, mostrando lo amplio que es el aspecto de la fotografía. Además de utilizar técnicas diferentes, mostrando ángulos poco convencionales, ayudando así a una nueva visualización del mundo en el que se encontraba.

Cibergrafia: 

http://www.fotonostra.com/biografias/rodchenko.htm

http://www.la-imagen.com.ar/maestros-de-la-fotografia.html#3

http://sala17.wordpress.com/2010/02/19/alexander-rodchenko-1891-1956-da-fotografia-ao-design-grafico

Fecha de consulta:

10/08/2014.

Yousuf Karsh, París 1950

Yousuf Karsh, París 1950.

… cuando los famosos comienzan a pensar en la inmortalidad, llaman a Karsh de Ottawa.

Fue un fotógrafo canadiense de origen armenio nacido el 23 de diciembre en 1908.

Su talento como fotógrafo fue fortalecido por su tío, también fotógrafo, con quien vivía en Canadá luego de exiliarse de Armenia debido a la persecución que sufría su pueblo. Así comenzó a trabajar como aprendiz con John Garo. Pero su verdadera profesión y pasión comenzó cuando abrió su propio estudio en Ottawa, donde el primer ministro canadiense, Mackenzie King, lo introduce en el mundo del retrato de figuras políticas llegando entonces, en 1941, a fotografiar a Winston Churchill; siendo éste uno de los retratos más conocidos de la historia.

Su característica más destacada es la capacidad que tenía para representar en las fotografías no solo la imagen física de la persona sino además su esencia y reflejar la personalidad de los famosos; además de un excelente manejo de las luces y sombras, con las cuales se ayudaba para realzar especialmente las manos, pues quería remarcar la idea de que las manos reflejan la vida que llevamos.

La calidad de sus fotografías lo ubicó como el fotógrafo favorito de las estrellas, como fue dicho por George Perry en el Sunday Times “cuando los famosos comienzan a pensar en la inmortalidad, llaman a Karsh de Ottawa“.

Durante toda su carrera realizó más de 17.000 negativos dedicados exclusivamente al retrato de personajes famosos.

Grey Owl (Archibald Belaney), 1936

Grey Owl (Archibald Belaney), 1936.

Ernest Hemingway, 1957

Ernest Hemingway, 1957.

Stanley Park, 1952. Vancouver

Stanley Park, 1952. Vancouver.

“El carácter, como la fotografía, se revela en la oscuridad”

– Yousuf Karsh

 

Opinión personal: la verdadera cualidad de la fotografía es la capacidad de mantener vivo aquello que está destinado a perderse en el tiempo; Yousuf Karsh lo logra más allá de la mera imagen física, logrando combinar lo tangible e intangible mediante la luz, mediante aquello que puede evocar en nuestros pensamientos, El verdadero arte está entonces no solo en aquello que podemos percibir visualmente sino en todo lo que escapa a nuestras palabras, lo que mueve los sentidos. Yousuf Karsh es sin duda un maestro del arte de conservar y preservar la esencia de la persona, haciendo que dure más allá del paso de los años y la memoria.

Fuentes de consulta: 

Yousuf KarshXatakafoto, Photography Magazine, Clases de Periodismo.

Referencias imágenes: Stanley Park, Ernest HemingwayGrey Owl.

Fecha de consulta: 13/08/2014

Publicado por: Natalí Tabares Ramírez.

Ruven Afanador

Ruven Afanador

Ruven Afanador es un renombrado fotógrafo internacional, lo caracterizan su imaginación, su poderosa visión y un profundo sentimiento de sí mismo. Su trabajo se distingue por un opulento clasicismo atenuado por un irreverente punto de vista. Su idiosincrático lenguaje visual está cargado de emoción, elegancia  y una singular carga erótica.

Nació en Bucaramanga, Colombia, sobre el escénico entorno del río de oro. Vivió ahí hasta su adolescencia, rodeado como el mismo lo dice, por impresionantes montañas e inmerso en las tradiciones y costumbres que hacían que  la vida cotidiana estuviera cargada de misterio y fascinación.

A los catorce, afanador viajó a  Estados Unidos a estudiar. Mientras estudiaba arte, descubrió la fotografía; con esa pasión transformaría la ordinaria realidad, como el mismo lo dice, “en su forma de ver las cosas”.

Luego de su graduación, Afanador  pasó dos años  en Washington, donde obtuvo distinción como un fotógrafo de moda. En 1987 viajó a Milán, donde amplió su visión, pulió sus técnicas y realizó un portafolio. La falta de un estudio en la ciudad lo forzó a desarrollar técnicas  para fotografiar exteriores, incorporando el entorno  para enfocar imágenes con textura y profundidad. Mientras  estaba en Italia, también descubrió el tipo de modelos que se convertirían en su prototipo.

En 1990 volvió de Italia con un impresionante portafolio y se instaló en New York donde llamó la atención de los editores de las mejores revistas. Desde entonces su distintiva moda editorial, publicidades y retratos icónicos de las bellezas emblemáticas y poderosas han sido el tema de numerosas exposiciones e instalaciones alrededor del mundo.

Su primer libro,  Torero, presenta imágenes en blanco y negro de matadores de España, México, Colombia y Perú, usando las convenciones de la fotografía de alta costura para quebrar los estereotipos masculinos.

Sombra, su segundo libro, emplea técnicas fotográficas del siglo XIX en una colección de desnudos masculinos en poses inspiradas en los movimientos y gesturas del ballet clásico.

 Su tercer libro, Mil Besos, celebra las mujeres del flamenco, capturándolas en fotografías sur reales, cuestionando las preconcepciones de la belleza.

En su extensa obra, Afanador ha creado un lenguaje intensamente personal, caracterizado por el balance de emoción cruda y delicadeza.

En sus retratos, sin falla perfora las delicadas identidades de los bellos y poderosos símbolos de nuestros tiempos para exponer su esencia con certeza y elocuencia. De forma recurrente el yuxtapone la esencia masculina y la fuerza femenina para cuestionar las defunciones de género convencionales de manera audaz.

Torero, Ruven Afanador

Torero, Ruven Afanador

Sombra, Ruven Afanador

Sombra, Ruven Afanador

Mil Besos, Ruven Afanador

Mil Besos, Ruven Afanador

Fuentes:

(Biografía)  http://ruvenafanador.com/m/index.php?/page/130

(Torero) http://ruvenafanador.com/m/index.php?/portfolio/80

(Sombra) http://ruvenafanador.com/m/index.php?/portfolio/70

(Mil Besos) http://ruvenafanador.com/m/index.php?/portfolio/60

Fecha de Consulta: 01/02/14

– Ana María Cabal Velásquez

– Esteban Isaza Montoya

Image

(Bucaramanga, Colombia, 1959)

Fotógrafo colombiano nacionalizado en Estados Unidos, su nombre era Rubén Afanador y lo cambió a Ruven para facilitar la pronunciación en su nuevo país. Hijo de Ernesto Afanador, un vendedor de relojes, coleccionista de antigüedades, y de Isabel Peña, profesora del Colegio Adventista Libertad, a los 14 años de Rubén se mudaron a Estados Unidos buscando un mejor futuro para la familia.

En 1978 decidió dedicarse a la fotografia después de ver la película Eyes of Laura Mars. Cuando vivía en Bucaramanga tenía cerca al mejor estudio fotográfico de la ciudad, le apasionaba ver el proceso que se realizaba para fotografiar a una persona y desde los 12 años se sintió apasionado por el cine y la fotografía después de ver su primera película.

Después de realizar sus primeras tomas con su hermana como personaje principal de sus obras, Ruven decidió, tras un vago roce con el diseño gráfico, que quería vivir de una cámara el resto de su vida, después de eso sus papas le regalaron su primera cámara, una Minolta, y así fue como se fue haciendo un reconocido y exitososo fotógrafo, retratando en comienzos sólo a sus hermanas y a su madre.

En sus años como estudiante conoció a Eric Ekhart, quien le sugirió irse a Europa a realizar sus estudios como artista ya que en el viejo continente era donde tendría su verdadero crecimiento, aunque Ruven al principio en su terquedad no aceptó, y se mudó a New York, en ese momento pasó por un momento de frustraciones muy grandes, hasta que recordó el consejo de Ekhart y decidió partir a Europa, llegando así a Milán, Italia, que fue el país que lo redefinió y le ayudó a encontrar su enfoque y lo que quería expresar en sus obras, en ese momento le cogió mucho amor a Colombia y a Bucaramanga y en sus fotos buscaba contrastar los paisajes Europeos con los Latinoamericanos.

Después de seis arduos meses de reinvento, Afanador volvió a Estados Unidos cargado de ideas nuevas y con un portafolio que dejó impresionado a más de uno y empezó a participar en varias revistas famosas como VogueElleRolling StoneNew York Times Magazine y Vanity Fair. En éstas trabajó por lo general como fotógrafo de cabecera en sus personajes de portada.

  • En el año 2000 ganó como “Fotógrafo del año Fashion Awards-Paris”
  • En el 2003 una de sus obras fue premiada y catalogada como la mejor en los medios impresos.

Aunque no fue directamente influenciado por colegas artistas siempre ha sentido una gran admiración por Gabriel García Márquez, debido a su forma de hablar de Colombia en sus obras y de su reconocimiento internacional por esto mismo.

Uno de sus libros más famosos, Mil Besos, fue su tercer libro fotográfico y en varias entrevistas ha reconocido que éste está inspirado en su mamá y en lo que ha representado en su vida, el libro está completamente conformado por fotografías de mujeres y también representa un homenaje para todas ellas.

Image

Mil Besos.

Image

Fotografía de su libro Torero.

Image

Fotografia de su libro Sombra.

Cibergrafía:

Texto:

Imágenes:

Fecha de consulta:

29/07/2013.

Image

Ansel Easton Adams (20 de febrero de 1902, San Francisco, California. – 22 de abril de 1984, Monterrey, California.)

Fotógrafo y ecologista. Creció en un ambiente Victoriano, aunque fue muy intelige era muy tímido en su niñez y eso junto a la dislexia que padeció le dificultó adaptarse en la escuela. Toda su vida luchó por defender y proteger a la naturaleza. Estudió piano para estructurar su mente y conseguir una disciplina, más tarde entró a la fotografía utilizando una cámara Kodak #1 Box Brownie, la cual fue un regalo de sus padres. En 1928 contrajo matrimonio con Virginia Best y tuvo 2 hijos.

En 1953 debido a su mala situación económica, ingresó contra su voluntad a la fotografía comercial, la cual en su opinión limitaba su exploración y su creatividad; trabajó para marcas como IBM, AT&T, National Park Service y Kodak, y para las revistas Life y Fortune, también fue fotógrafo asesor para Polaroid y Hasselblad. Aunque entró sin querer a este mundo fue éste el que hizo de sus fotografías un icono de las bellezas naturales norteamericanas, cabe recordar que sus fotos eran principalmente enfocadas en paisajes.

Adams como paisajista siempre fue muy criticado, el fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson dijo “El mundo se está cayendo a trozos y todo lo que Adams y Weston fotografían son piedras y árboles”. A pesar de esto 1981 recibió el premio internacional de la fundación Hasselblad.

Adams junto con otros fotógrafos famosos de la época formó el grupo “f/64” en 1932. Fue reconocido especialmente por sus fotos en blanco y negro de paisajes del parque nacional Yosemite en Estados Unidos, también por varios libros de fotografía como su trilogía de manuales de instrucción técnica (La CámaraEl Negativo y La Copia).

Image

Monolith, The Face of Half Dome, 1927.

Image

Moonrise over Hernandez, New Mexico, 1941.

Image

Ice on Ellery Lake, Sierra Nevada, 1941.

Image

Clearing Winter Storm, 1940.

Opinión personal: Me parece que por más criticado que haya sido, sus fotografías son una muestra del amor que sintió por el mundo, de sus inmensos deseos de cuidarlo y preservarlo, y aunque la mayoría de las críticas que recibió fueron por el hecho de no estar fotografiando las guerras y los problemas del mundo, yo pienso que en este mundo siempre van a hacer falta esas personas que nos muestran lo que tenemos, nos contrastan lo malo que pasa y nos dan ganas de seguir viviendo.

Cibergrafía:

Texto:

Fotografías:

Fecha de consulta:

29/07/2013.

A %d blogueros les gusta esto: